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Em "Fúria Primitiva", Dev Patel faz sua estreia como diretor. O ator ganhou reconhecimento ao interpretar Jamal Malik em “Quem Quer Ser um Milionário”, vencedor de oito Oscars em 2009. Sobre essa nova experiência, o artista diz que “o filme é uma carta de amor para minha família. É sobre unir a mitologia que meu pai e meu avô me contaram e honrar o poder da mulher mais incrível da minha vida, a minha mãe. E também é sobre o quão longe alguém pode ir para vingar alguém que ama tão profundamente.”

O filme foi gravado em Batam, na Indonésia e, tanto a produção, quanto o elenco, enxergaram como um lugar incrível e inspirador, a localização ideal para o que Patel queria em seu longa. O vencedor do Oscar, Jordan Peele, foi produtor da obra. Para ele, é uma obra que explora a jornada de um vingador-defensor, trazendo temas emocionais profundos que cativam o público desde o primeiro momento.

"Fúria Primitiva" foi um grande sucesso no Festival SXSW e recebeu o selo “fresh” no Rotten Tomatoes. A história original é do ator e diretor, que também assina o roteiro ao lado de Paul Angunawela e John Collee. A história do filme apresenta Kid (Patel), um jovem que ganha a vida em um clube de luta clandestino, onde é espancado todas as noites usando uma máscara de gorila. Até que, depois de anos ele encontra um jeito de se infiltrar na elite da cidade e, ao mesmo tempo, tem que lidar com traumas de infâncias e uma sede de fazer vingança.

Além de Dev Patel, o elenco principal do filme também conta com Sharlto Copley, Pitobash, Vipin Sharma, Sikandar Kher, Adithi Kalkunte, Sobhita Dhulipala, Ashwini Kalsekar e Makarand Deshpande.

Sinopse: Estrelado e dirigido por Dev Patel, "Fúria Primitiva" acompanha a jornada violenta de um homem em busca de vingança. Patel é Kid, um jovem que ganha a vida em um clube de luta clandestino, onde, usando uma máscara de gorila, é brutalmente espancado todas as noites por lutadores mais populares. Após anos de raiva contida e uma vida muito dura, Kid encontra uma maneira de se infiltrar na elite da cidade. À medida que seu trauma de infância ressurge, ele não mede esforços para acertar as contas com os homens da alta sociedade que tiraram o pouco que ele tinha.

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Antes de dar o play nos episódios da nova temporada, entenda mais sobre a série de ficção mais antiga atualmente

O novo Doctor Who acaba de pousar no Disney+! A nova fase da série é protagonizada pelo ator Ncuti Gatwa, interpretando o lendário viajante do tempo que, junto com a personagem Ruby Sunday (Millie Gibson), defenderá as forças do bem enquanto encontra amigos incríveis e inimigos perigosos – da era da Regência Britânica a futuros devastados.

Com os primeiros episódios já disponíveis, e novos a serem lançados toda sextas-feiras – às 20h, a produção segue a mesma premissa das temporadas anteriores e, para relembrar o conceito de "Doctor Who", o Disney+ selecionou as principais informações da série e do personagem que apareceu pela primeira vez na televisão em 1963, pela BBC.

O mesmo, porém, diferente Doutor

Uma das marcas registradas de Doutor Who é a variação de Doutor(es) ao longo das temporadas, ou seja, não há somente um ator que interpreta o personagem. Até o momento, a série já contou com 15 protagonistas. Pode até parecer confuso e estranho, mas não é!

Em 1963, quando a série estreou, quem dava vida ao primeiro Doutor era William Hartnell. Na época, entretanto, o ator ficou doente e teve que ser substituído para que a série continuasse. Para justificar a mudança, o roteiro de Doctor Who teve que ser modificado e o personagem recebeu a habilidade de se regenerar ao primeiro sinal de morte inerente. Desta forma, ele nunca morreria somente trocaria de corpo.

O ator Ncuti Gatwa é agora quem dá vida ao 15º Doutor na nova temporada já disponível no Disney+. Essa variação surgiu após a bi-regeneração com o 14º, durante um confronto entre ele e Toymaker - um dos vilões da série. Essa cena introduz Gatwa ao whouniverso e pode ser visto no terceiro episódio do especial de Natal de Doctor Who no Disney+.

Mas quem é o Doutor?

O Doutor é um alienígena viajante do tempo originado do planeta Gallifrey, terra natal dos Senhores do Tempo. Ele pertence a raça dos Lorde do Tempo e tem o dom de manipular o espaço-tempo e possui grandes habilidades em diferentes áreas do conhecimento. Seu nome verdadeiro é uma incógnita para todos, pois ele dificilmente o revela e sempre se apresenta como “Doutor” sendo questionado muitas vezes sobre quem ele está se referindo.

Uma nave ou uma cabine policial?

Todo viajante do tempo tem sua “máquina do tempo” que costuma se assemelhar com uma nave espacial e em Doctor Who não seria diferente. Porém, ao contrário das naves comuns, o do Doutor é uma espécie de cabine policial britânica do século 20, conhecida como TARDIS. Teoricamente, ela foi programada para se disfarçar em qualquer ambiente que for pousar, porém, seu mecanismo de disfarce sofreu um dano e não foi mais possível mudar seu formato. Com isso, independente da época para qual o Doutor viajar, a espaçonave sempre terá a mesma aparência – que é, inclusive, uma das marcas registradas da série.

Companheiras de viagem

Outra característica muito marcante de Doctor Who é que o Doutor nunca está sozinho durante suas viagens no tempo. Ele sempre está acompanhado por um humano para enfrentar as suas jornadas. Nessa temporada, a parceira dele é Ruby Sunday, interpretada pela atriz Millie Gibson.

Novos episódios de Doctor Who serão lançados todas as sextas-feiras, às 20h, no Disney+.

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.: “Angústia”, da obra de Graciliano Ramos, estreia no Teatro Unicid

Espetáculo "Angústia". Foto: Karina Kiss

Nesta adaptação para o teatro, intitulada de “Angústia”, Luís da Silva, funcionário público, escritor apenas por gosto e não como profissional, vive revivendo suas frustrações intelectuais, memórias de infância, desejos pela vizinha Marina e ódio de seu concorrente, Julião Tavares, que busca lhe roubar a mulher amada.

O enredo mergulha no estado psicológico do personagem, um homem complexo e atormentado que vira refém do ciúme e do ressentimento.

A obra tem como principal característica a descrição dos estados de alma de uma pessoa que se questiona o tempo todo, sobre si e o mundo, em arroubos de solidão e delírio.

CONTEXTO DA OBRA

“Angústia” se passa entre as décadas de 20 e 30, período em que o Brasil e o mundo passavam por grandes transformações. Entre elas:

Semana da Arte Moderna – 1922; a Recente revolução russa, 1917; a Crise de 1929.

A época marcou a consolidação do Brasil como República, e um dos objetivos de Graciliano Ramos em seu terceiro livro publicado era mostrar os traços da exploração da sociedade nesse período por meio da interação e convivência conflituosa de personagens residentes na área metropolitana da cidade de Maceió.

Espetáculo “Angústia”

Direção Vince Vinnus

Elenco Vince Vinnus, Julia Gouveia, Tainan Pongelupe e Lucas Pace

Sonorização e projeções: Tales Augusto

Iluminação: Renan Mello

SERVIÇO

Data: 01/06 às 21h

Teatro Unicid – Av Imperatriz Leopoldina, 550, entrada lateral do teatro

Ingressos R$ 60,00 a inteira e R$ 30 a meia entrada

Antecipado com a doação de 01 Kg de alimento, R$ 30,00

Telefone/Whatsapp da Bilheteria (11) 38329100

Estacionamento no local – R$ 15,00

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.: "Alma Gêmea": Fernanda Souza comenta sucesso da romântica Mirna

Fernanda Souza em "Alma Gêmea". Foto: Globo/João Miguel Júnior

Com recordes de audiência desde a estreia, no dia 29 de abril, "Alma Gêmea" consagrou a carreira da atriz Fernanda Souza em sua primeira exibição, em 2005, quando ela interpretou a jovem Mirna, personagem que ficou marcada na memória do público. Um dos destaques da trama foi o núcleo dos irmãos Mirna e Crispim (Emilio Orciollo Netto), que moravam com o tio Bernardo (Emiliano Queiroz) em um sítio próximo à plantação de rosas de Rafael (Eduardo Moscovis). Os homens da família trabalhavam no roseiral, e a romântica Mirna se dedicava à casa enquanto sonhava com um casamento. Mas Crispim morria de ciúmes da irmã e dificultava a realização desse sonho, pois não deixava que nenhum pretendente se aproximasse. E quem se arriscasse acabava dentro de um chiqueiro. Fernanda Souza lembra com carinho desse momento em sua trajetória artística. “A repercussão da personagem foi gigante e eu não imaginava que isso fosse acontecer. Quando o ator pega um personagem novo, ele recebe a descrição com detalhes. A da Mirna era pequena, então não imaginei que pudesse tomar um rumo tão grande e que o Brasil fosse gostar tanto”, conta a atriz. Confira a entrevista completa de Fernanda Souza!

  

Como construiu a Mirna de "Alma Gêmea", que fez tanto sucesso na sua carreira?

Não houve uma construção específica em cima dela. A primeira vez que ela apareceu para mim e eu acessei o seu jeito de ser foi durante o teste da novela. Essa é uma personagem que foi muito marcante na minha vida e a desejei muito. Eu estava fazendo uma peça de teatro, sem contrato com a TV Globo, e queria fazer uma novela novamente. Fui chamada de última hora para o teste. Estava no aeroporto e tinha acabado de perder o voo, sendo que o próximo avião demoraria três horas para sair. Nesse tempo, o diretor da novela me ligou e me chamou para fazer o teste no mesmo dia. Fui para os Estúdios Globo e usei o tempo que estava na caracterização do cabelo para decorar o texto. Na hora, consegui apresentar duas versões da personagem, uma mais romântica e outra mais divertida. Eu não tive tempo de construí-la, só fiz da melhor maneira possível. Por isso é como se a Mirna morasse dentro de mim, foi tudo muito rápido e mesmo assim foi aprovado pelos diretores. Depois de algum tempo eles me ligaram e disseram que o papel era meu, fiquei muito contente. Eu me conectei imediatamente com a personagem. A versão da Mirna que foi ao ar é a mais extrovertida. O único treino que fiz foi de prosódia, para ajustar o sotaque, já que eu sou de São Paulo e a Mirna é do interior do estado. Mas foi tudo muito natural, e eu sinto realmente que ela mora em mim, que posso simplesmente acessá-la e colocá-la para fora. Ela é uma personagem muito especial. Quando assisto à novela, eu não consigo me ver, é como se a personagem realmente fosse uma outra pessoa. É legal ter esse distanciamento e não conseguir se enxergar; para um ator isso é um prazer gigante.

 

Qual foi a cena mais difícil de gravar durante "Alma Gêmea"? E a mais divertida?

A cena mais difícil de fazer foi a do fogo na casa da personagem. Naquele momento, eu já estava gravando a novela há algum tempo e convivia bastante com a Doralice, a pata da novela. Na hora, fiquei igual à Mirna, me desesperei ao vê-la em meio ao fogo, por mais que eu soubesse que o fogo cenográfico é controlável. Mas, só pelo fato de a personagem estar passando por aquela situação, eu fiquei muito nervosa. Teve um momento em que eu estava chorando de verdade. A cena mais divertida foi a que a Mirna empurrou a personagem da Flávia Alessandra, Cristina, que era a vilã, dentro do chiqueiro. Normalmente, a Mirna assistia a seus pretendentes sendo jogados no chiqueiro, mas, dessa vez, ela que jogou. A Flávia é uma pessoa muito leve e divertida, então foi uma cena muito aguardada por todos. Eu fiz tudo com muito carinho e tomei cuidado para não a machucar. Teve um momento em que eu literalmente tive que esfregar a cara dela na lama. O mais divertido foi que muita gente caiu no chiqueiro, quase todo o elenco entrou. Por isso, eles colocaram vários chuveiros no set, para tomarmos banho. Outros momentos divertidos que aconteciam com muita frequência eram com a pata, que às vezes fazia cocô no meio da cena e a gente tinha que continuar como se nada tivesse acontecido. Mesmo se a cena fosse de comida, todos seguiam nas falas e no final todos davam risada da situação.

 

A novela fez muito sucesso. Como era a repercussão da personagem? 

A repercussão da personagem foi gigante e eu não imaginava que isso fosse acontecer. Quando o ator pega um personagem novo, ele recebe a descrição com detalhes. A da Mirna era pequena, então não imaginei que pudesse tomar um rumo tão grande e que o Brasil fosse gostar tanto. Quando eu saía de casa, ouvia as pessoas me chamando de Mirna o tempo inteiro. Com certeza foi uma das personagens mais marcantes da minha carreira. As pessoas ainda têm um carinho muito grande pela novela, que foi um acerto do Walcyr Carrasco e do Jorge Fernando. Eu tenho muito orgulho de ela ter feito parte da minha história, me diverti muito. Para mim, ela foi um grande presente, porque foi a primeira vez que fiz comédia e eu nem imaginava que podia. Dali em diante, fui vista pelos diretores como uma atriz que poderia ir para essa área também. Depois, fiz ‘Toma Lá Da Cá’. totalmente imersa nesse universo cômico, ao lado de grandes atores. Sinto que ela abriu uma porta não só na minha vida artística, mas também na pessoal. Eu não me entendia como uma pessoa divertida ou engraçada, não tinha essa visão sobre mim mesma. Essa personagem me fez acessar a comédia não só na TV, mas também dentro da Fernanda. Acho que eu me tornei uma pessoa mais leve e divertida depois dela. Sou muito grata até hoje ao Walcyr e ao Jorginho porque eles me deram uma grande oportunidade de crescimento quando me deram esse papel. Foi com ele que eu ganhei o ‘Melhores do Ano’ como atriz coadjuvante no ‘Domingão do Faustão’, o que me deixou muito feliz, foi muito marcante. 

 

Quais as principais lembranças que guarda desse trabalho e da rotina de gravação?

Eu morro de saudades do Seu Emiliano Queiroz e do Emílio Orciollo. Juntos, formávamos um quarteto com a Doralice. Eles foram muito especiais para mim, nós éramos companheiros de gravação e estávamos sempre juntos no mesmo cenário. A gente se entendia no olhar, tínhamos uma convivência importante. Lembro das cenas emotivas em que eu realmente chorava de emoção por estar ao lado deles. Muito do sucesso da Mirna se deve a eles. A nossa união fez com que o núcleo desse certo. Viramos até a capa do CD nacional da novela. 

 

Gosta de rever trabalhos antigos? De que forma mexem com você?

Amo rever trabalhos antigos. Parece que foi em outra vida, mas ao mesmo tempo me reconheço muito ali. Eu tenho um amor profundo ao assistir às cenas da Mirna, me emociono só de pensar. Lembro que, quando fiz o teste, eu rezei muito para passar e deu certo. A vontade é de voltar no tempo para reviver toda aquela alegria. Foi mágico, sou muito grata por essa oportunidade.

 

Qual a sua expectativa para essa reexibição da trama de Mirna?

Acho que as pessoas vão amar, e eu vou assistir com toda certeza. Eu amo essa novela e acho que o Brasil também. Essa é uma história muito bem escrita, foi um marco nas novelas das 18h. Foi tudo muito especial, não vejo a hora de assistir. Sei que eu vou me emocionar, rir e vou ficar com saudades de viver a Mirna.

 

E quais são seus próximos projetos?

Já tem um bom tempo que tenho amado ser apresentadora. Estou há um tempo sem atuar e não tenho previsão de volta. Estamos nos preparando para a segunda temporada de um projeto no streaming. Foi um sucesso, e fiquei muito contente com a repercussão. É a segunda vez que apresento um reality show e eu descobri que amo fazer isso. Estou completamente apaixonada, tenho muito prazer em conduzir os participantes, mediar uma prova. Cresci assistindo a programas com dinâmicas e jogos, e agora estou dentro de um. Eu sinto que nasci para isso, assim como eu nasci para atuar. Essa é uma das coisas que mais amo fazer no mundo, não imaginava que fosse ler tantos elogios sobre o programa e esse meu novo trabalho. 

 

Criada e escrita por Walcyr Carrasco, com a colaboração de Thelma Guedes, direção de Fred Mayrink e Pedro Vasconcelos, direção-geral e direção artística de Jorge Fernando, ‘Alma Gêmea’ estreou em 2005, foi reexibida em 2009 na TV Globo, também no ‘Vale a Pena Ver de Novo’, e no Viva, em 2022. 

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.: "Uma visita à Biblioteca do Sr J.L.Borges" estreia no Teatro Unicid

Espetáculo "Uma visita à Biblioteca do Sr J.L.Borges". Foto: Karina Kiss

A bela e labiríntica obra do escritor argentino Jorge Luis Borges, para muitos funciona como uma equação matemática sem fim e na qual o tempo é tão flexível quanto o pensamento. "Uma visita à Biblioteca do Sr J.L.Borges", a mais recente produção em pequena escala da companhia Mov Teatro, apresenta uma adaptação que passa por vários contos de Borges: "O Jardim das Veredas que se Bifurcam"; "O Outro"; "O Disco"; "O Livro De Areia"; "Ulrica; A utopia de um homem que está cansado".

O texto original de Borges é trazido ao palco em meio a poesia, música e ilustrações, sob a direção de Elber Marques.

As esquetes se interligam, sutis mas com linhas grossas, impressionantes por si só, unidas por livros sem começo ou fim, encontros impossíveis, viagens no tempo, portais, espelhos e labirintos, buscando criar “metáforas teatrais” para o funcionamento da imaginação do escritor.

Borges é um poeta de quebra-cabeças e um autor de ideias. Numa performance ao vivo, aparece a noção viva do homem, mostrando aspectos além dos que estão nas páginas, num mundo de labirintos em que os seres navegam em mistérios que talvez nunca sejam revelados.

Espetáculo "Uma visita à Biblioteca do Sr J.L.Borges"

Direção Elber Marques

Elenco Gulherme Grubber, Vince Vinnus, Julia Gouveia, Tainan Pongelupe

Sonorização e projeções: Tales Augusto

Iluminação: Renan Mello

Data: 30/05 às 20h30

Teatro Unicid – Av Imperatriz Leopoldina, 550, entrada lateral do teatro

Ingressos R$ 60,00 a inteira e R$ 30 a meia entrada

Antecipado com a doação de 01 Kg de alimento, R$ 30,00

Fone/Whatsapp da Bilheteria (11) 38329100

Estacionamento no local – R$ 15,00

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.: "Cilada": em entrevista, Debora Lamm comenta intimidade cênica com Mazzeo

Debora Lamm em "Cilada". Foto: Globoplay

Bruno Mazzeo quase admite que seu personagem em "Cilada", também chamado de Bruno, é seu alter ego. Mas não é só o jeito de encarar as dificuldades e roubadas do dia a dia que os dois têm em comum: a parceria com Debora Lamm é perceptível dentro e fora das telas. Na nova temporada da série de humor, que estreia hoje no Globoplay, a dupla de amigos interpreta um casal que está há anos junto, enfrentando os dilemas de um casamento em crise. Em 10 episódios, o público pode conferir diferentes situações do cotidiano e, com pelo menos uma, os atores garantem que todo mundo vai se identificar.  

A nova fase começa dez anos após o último episódio da série original, uma das comédias pioneiras no Multishow, que também foi adaptada e exibida no Fantástico e chegou a virar filme, "Cilada.com’"(2011). Nesta nova temporada, o humorístico surge repaginado, com a dupla de protagonistas passando por situações típicas dos tempos atuais.

Com uma cumplicidade que ultrapassa a vida profissional, Bruno Mazzeo e Debora Lamm, que respectivamente interpretam os personagens Bruno e Debora, comentam as novidades da nova fase de "Cilada". Atualizada e repaginada, a obra promete divertir diferentes gerações. Confira a entrevista com Debora Lamm!

 

De que forma você descreveria a Debora, sua personagem?   

A Debora é uma mulher comum que dá margem para muitas mulheres se identificarem com ela. É muito fácil se reconhecer em diversas situações ali.  

 

Como foi contracenar com o Bruno Mazzeo neste projeto?   

Eu e Bruno nunca deixamos de conviver, nem de trabalhar juntos. Essa nova temporada oficializa ainda mais nossa afinidade artística e nossa intimidade cênica. Está tudo ali para o público testemunhar!  

 

O foco principal da temporada é um casamento em crise, e esse tema é pano de fundo de muitas comédias românticas. Na sua opinião, o que Cilada consegue mostrar de diferente a respeito desse assunto?   

As pessoas conhecem esses personagens há anos, já viram o Bruno e a Debora em uma série de situações e agora vão acompanhar o amadurecimento deles como casal estabelecido num relacionamento irritantemente comum. Não há heróis, maniqueísmo, bem e mal e tantos outros chavões da comédia romântica. Bruno e Debora são o retrato fiel do ser humano médio que somos, e o desconforto que o dia a dia do casal gera é mostrado de forma hilária.  

 

Entre os diferentes temas abordados ao longo da temporada, qual é o que mais te marcou ou chamou atenção, e por quê?   

Bruno e Debora tentando se adequar ao tempo, arriscando o relacionamento aberto, sem o menor sucesso.  

 

Tem alguma curiosidade das gravações que você gostaria de destacar?   

Crises de riso inúmeras. Inúmeras mesmo.  

 

Criada por Bruno Mazzeo, a série Original Globoplay ‘Cilada’ é escrita por Bruno Mazzeo e Rosana Ferrão, com colaboração de Gustavo Gessullo e Bárbara Duvivier. A direção de arte é de Rafael Ronconi, com direção de Felipe Joffily. A produção é de Augusto Casé.    

 

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.: "Cilada": em entrevista, Bruno Mazzeo comemora estreia da série de humor

Bruno Mazzeo na CCXP 2023. Foto: Fabiano Battaglin/gshow

Bruno Mazzeo quase admite que seu personagem em ‘Cilada’, também chamado de Bruno, é seu alter ego. Mas não é só o jeito de encarar as dificuldades e roubadas do dia a dia que os dois têm em comum: a parceria com Debora Lamm é perceptível dentro e fora das telas. Na nova temporada da série de humor, que estreia hoje no Globoplay, a dupla de amigos interpreta um casal que está há anos junto, enfrentando os dilemas de um casamento em crise. Em 10 episódios, o público pode conferir diferentes situações do cotidiano e, com pelo menos uma, os atores garantem que todo mundo vai se identificar.  

A nova fase começa dez anos após o último episódio da série original, uma das comédias pioneiras no Multishow, que também foi adaptada e exibida no Fantástico e chegou a virar filme, ‘Cilada.com’ (2011). Nesta nova temporada, o humorístico surge repaginado, com a dupla de protagonistas passando por situações típicas dos tempos atuais.

Com uma cumplicidade que ultrapassa a vida profissional, Bruno Mazzeo e Debora Lamm, que respectivamente interpretam os personagens Bruno e Debora, comentam as novidades da nova fase de ‘Cilada’. Atualizada e repaginada, a obra promete divertir diferentes gerações. Confira a entrevista com Bruno Mazzeo!

 

"Cilada" é uma comédia que retrata situações do cotidiano. Como criador da série, como é o seu processo criativo para pensar em diferentes ciladas? Você se inspira na sua própria realidade?    

Minha fonte de inspiração nesta série é o cotidiano. Buscamos muito mais a identificação com a situação vivida, do que a graça pela graça. Não só me inspiro nas coisas que acontecem comigo, com minha parceira Rosana Ferrão, mas também nas coisas que ouço de amigos, ou nas coisas que imaginamos que possam de fato acontecer. O que eu mais gostava no contato com o público não era quando me diziam “foi muito engraçado”, mas sim “aconteceu igualzinho comigo”.    

  

De que forma você descreveria o Bruno, seu personagem, nesta nova fase de "Cilada"?    

Ao contrário do que muitos pensam, Bruno não é meu alter ego. Quer dizer. Pensando bem… enfim.  

  

Como foi contracenar com a Debora Lamm neste projeto?    

Não tem ninguém com quem eu tenha trabalhado mais do que Debora Lamm. É um prazer estar ao seu lado, um astral que contagia, uma das risadas mais gostosas que conheço. Fora isso, é uma das melhores atrizes da sua geração (e das outras também), uma parceira com quem me entendo no olhar.  

  

Pra você, "Cilada" pode ser considerada uma obra transgeracional?    

Eu realmente estou muito curioso para saber isso. Continua sendo uma série capaz de abranger um público amplo. Uma daquelas que casais podem ver juntos, pais podem ver com filhos. Afinal, as ciladas são parte da vida de todos nós.  

  

Nos últimos anos, muitas obras clássicas foram regravadas, repensadas e resgatadas de alguma forma. Você acha que "Cilada" se insere nesse mercado da nostalgia e memória afetiva? Como você avalia esse movimento no audiovisual?    

Pode ser. Quando topei a pilha do produtor Augusto Casé foi pensando em celebrar essa história tão importante pra minha vida. Juro que não fui motivado por isso estar acontecendo com outras obras. Isso está acontecendo não só no audiovisual como, por exemplo, na música, com shows comemorativos de álbuns específicos, reencontros… será que é coisa da idade?  

  

Cada episódio da série traz uma cilada diferente. Quais são os principais assuntos abordados nesta temporada? O que o público pode esperar?     

Acho que o público pode esperar uma identificação imediata com situações pelas quais todos passamos. Sempre olhando pela lente do humor. A desgraça de ontem é a graça de amanhã. A série sempre teve essa característica de ser “temática”. Assim, podemos passar por assuntos variados. Seja uma ida ao cartório, um fim de semana no resort, uma reunião de condomínio, um almoço de família, uma balada sertaneja; seja as redes sociais, aplicativos e novas tecnologias. O único tema repetido vai ser o do “Churrasco”, que é o mais pedido toda vez que falo do Cilada nas redes. Talvez seja o greatest hit.  

  

Ao longo da trama você interpreta vários outros personagens que ajudam a ilustrar a história e trazem um humor muito característico. Qual é o objetivo dessa dinâmica e como foi o processo de construção desses diferentes personagens?  

Sempre fez parte da linguagem do Cilada esses depoimentos, talking heads de personagens variados comentando as situações vividas por Bruno. Dessa vez focamos nos dois personagens que mais marcaram: o pitboy Alexandre Focker e o antropólogo Albênzio Peixoto. Fora isso, existem o que chamamos de “simulações”, as cenas que ilustram o assunto. Para essa parte, agora temos o Pedroca Monteiro, que participa comigo e Debora. Aí podemos emular situações históricas, como JK e Niemeyer construindo Brasília, o naufrágio do Titanic, Dona Flor e seus dois Maridos e até Super Homem num churrasco.  

 

Criada por Bruno Mazzeo, a série Original Globoplay ‘Cilada’ é escrita por Bruno Mazzeo e Rosana Ferrão, com colaboração de Gustavo Gessullo e Bárbara Duvivier. A direção de arte é de Rafael Ronconi, com direção de Felipe Joffily. A produção é de Augusto Casé.    

 

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.: Retrospectiva inédita, "Léa Garcia - 90 Anos" chega ao CCBB São Paulo

Com o objetivo de celebrar a obra de uma das figuras mais icônicas do cinema nacional e a sua importância histórica mundial, o Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo apresenta a mostra inédita "Léa Garcia - 90 anos", que acontece de 25 de maio a 23 de junho. A retrospectiva apresenta 15 longas protagonizados por Léa Garcia, dentre os quais "Orfeu Negro", de Marcel Camus, pelo qual a atriz foi indicada ao prêmio de melhor interpretação feminina no Festival de Cannes, e que abre a mostra no dia 25 de maio, sábado, às 17h00. Baseado na peça de Vinícius de Moraes, o filme vencedor da Palma de Ouro em Cannes e ganhador do Oscar de melhor filme estrangeiro pela França, conta a trágica história romântica entre a jovem Eurídice e o motorista e músico Orfeu.

Com a curadoria de Leonardo Amaral e Ewerton Belico, a programação traz ainda os longas "Ganga Zumba", de Cacá Diegues, "Compasso de Espera", de Antunes Filho, "O Forte", de Olney São Paulo, "Feminino Plural", de Vera de Figueiredo, "M8 - Quando a Morte Socorre a Vida", de Jeferson De, Ladrões de Cinema, de Fernando Coni Campos, A Deusa Negra, de Ola Balogun, A noiva da cidade, de Alex Viany, "Cruz e Souza - Poeta do Desterro", de Sylvio Back, "Mulheres do Brasil", de Malu di Martino, "Um Dia com Jerusa", de Viviane Ferreira e "O Pai da Rita", "A Negação do Brasil" e "As Filhas do Vento", de Joel Zito Araújo.

Além das projeções, a Mostra também traz três sessões comentadas por pesquisadores, realizadores e realizadoras que trabalharam com Léa Garcia, e que irão explorar a importância de sua trajetória e seu pioneirismo como protagonista negra no cinema brasileiro. A primeira será no dia ° de junho, sábado, às 14h00, com o realizador Joel Zito Araújo logo após a exibição do filme "As Filhas do Vento" e a segunda no dia 8 de junho, sábado, às 14h00, com a pesquisadora Mariana Queen Nwabasili após a exibição do filme "Compasso de Espera". Já no dia 21 de junho, sexta-feira, às 16h00, acontece o bate papo com o professor e cineasta Juliano Gomes após a exibição do filme "Ladrões de Cinema". Um catálogo on-line será disponibilizado ao público com crítica inédita, artigos raros dedicados à trajetória de Léa Garcia, seu ativismo, sua personalidade criativa e os filmes em que atuou.

Ao realizar esta mostra, o Centro Cultural Banco do Brasil oferece ao público a oportunidade de se aprofundar na carreira de uma artista brasileira conhecida por sua versatilidade e talento, além de valorizar a produção cinematográfica nacional, reafirmando seu compromisso de ampliar a conexão dos brasileiros com a cultura.

Serviço
Mostra de cinema "Léa Garcia - 90 Anos"
Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo
De 25 de maio a 23 de junho
Ingressos gratuitos, disponíveis em bb.com.br/cultura e na bilheteria física do CCBB SP
Classificação indicativa: de livre a 16 anos (consultar programação)
Endereço: Rua Álvares Penteado, 112 - Centro Histórico / São Paulo
Entrada acessível: pessoas com deficiência ou mobilidade reduzida e outras pessoas que necessitem da rampa de acesso podem utilizar a porta lateral localizada à esquerda da entrada principal.
Funcionamento: aberto todos os dias, das 9h00 às 20h00, exceto às terças-feiras
Informações: (11) 4297-0600
Estacionamento: o CCBB possui estacionamento conveniado na Rua da Consolação, 228 (R$ 14 pelo período de 6 horas – necessário validar o ticket na bilheteria do CCBB). O traslado é gratuito para o trajeto de ida e volta ao estacionamento e funciona das 12h às 21h.
Transporte público: o CCBB fica a 5 minutos da estação São Bento do Metrô. Pesquise linhas de ônibus com embarque e desembarque nas Ruas Líbero Badaró e Boa Vista.
Táxi ou aplicativo: desembarque na Praça do Patriarca e siga a pé pela Rua da Quitanda até o CCBB (200 m).
Van: ida e volta gratuita, saindo da Rua da Consolação, 228. No trajeto de volta, há também uma parada no metrô República. Das 12h00 às 21h00.

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.: Misturando “Rei Lear” e Arthur Bispo do Rosário, "Leão Rosário" estreia em SP

O espetáculo é uma adaptação de Shakespeare trazida para a ancestralidade africana com concepção, atuação e dramaturgia de Adyr Assumpção, que comemora 50 anos de carreira, e direção de Eduardo Moreira. A estreia paulistana acontece no dia 24 de maio no CCBB-SP. Foto: Pablo Bernardo

Depois de temporada de sucesso em Belo Horizonte em março, o solo "Leão Rosário", desembarca no Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo (CCBB SP) para uma nova temporada entre os dias 24 de maio e 23 de junho. As apresentações acontecem às quintas, sextas e segundas-feiras, às 19h00, e aos sábados e domingos, às 17h00. O espetáculo é solo para ator, vozes e objetos inspirado em “Rei Lear”, obra prima da maturidade de Shakespeare na tradução de Millôr Fernandes e em Arthur Bispo do Rosário, artista visual sergipano que construiu suas obras trilhando os caminhos da arte e da loucura, sendo reconhecido nacional e internacionalmente.

A trama trazida para a ancestralidade africana e ambientada na costa Atlântica de uma África atemporal conta a história de um velho rei que, ao abdicar e dividir seu vasto reino entre as filhas, toma uma decisão insensata com trágicas consequências. “Rei Lear” reflete, entre outros aspectos, sobre o envelhecimento. Ao ser associada à personalidade de Bispo do Rosário, a peça propõe uma reflexão sobre as questões dos mais velhos na nossa sociedade, a nossa memória africana, as heranças simbólicas, a criatividade e principalmente os limites da sanidade. 

Ao realizar este espetáculo, o Centro Cultural Banco do Brasil valoriza a produção teatral nacional, além de apoiar um projeto que estimula a reflexão e traz diversidade e ancestralidade aos palcos, reafirmando seu compromisso de ampliar a conexão dos brasileiros com a cultura. O trabalho comemora os 50 anos de carreira do ator, diretor, escritor, roteirista e produtor Adyr Assumpção, que, antes mesmo de traçar sua brilhante trajetória no teatro, na televisão e no cinema, estreou nos palcos no papel de Puck, personagem de “Sonho de um Noite de Verão”, de William Shakespeare (1564-1616). Adyr também é autor do livro “Caminhos da África”, que foi adotado pela rede pública e particular de escolas do Estado de São Paulo.

Desta vez, Assumpção retoma às próprias origens ao encenar Leão Rosário: “Ao longo de toda a minha carreira flertei muito com a obra de Shakespeare. Então, é muito representativo para mim celebrar 50 anos de atuação com uma obra que teve como inspiração um de seus textos mais emblemáticos. Apesar de não ser uma versão de sua obra, o espírito shakespeariano está presente, ao lado de diversas outras referências importantes para a minha trajetória como artista”, revela. 

E, para dirigi-lo em cena, ele convidou Eduardo Moreira, fundador do Grupo Galpão. “O encontro com Adyr a partir de sua adaptação de Shakespeare trazida para a ancestralidade africana foi um presente e um chamado, uma espécie de dádiva que o teatro nos dá e que nos permite mergulhar num universo tão vasto e profundo”, comenta o diretor. Completam a ficha técnica o artista plástico ouro-pretano Jorge dos Anjos, que criou o tapete cênico, e a bordadeira Stella Guimarães, do Vale do Jequitinhonha, que assina o figurino - ela já realizou trabalhos para estilistas como Ronaldo Fraga e Alexander McQueen.

Um pouco mais sobre o espetáculo
O velho rei Leão Rosário, desejoso de se retirar de suas obrigações, decide repartir seu vasto império entre suas três filhas e deixar a maior parte do território para aquela que mais o ama. As mais velhas, Makeda e Akosua, com adulações e falsas afirmações, dizem que o amam acima de tudo. Agotimé, a mais nova e verdadeira, surpreende afirmando que seu amor por ele é do tamanho de seu dever.

O Rei se enfurece com a resposta, deserda e expulsa Agotimé, que parte e se casa com o Rei das Florestas. Leão Rosário divide o reino entre as duas outras filhas, com a condição de morar, em ciclos mensais, com cada uma das duas. No caminho de Leão Rosário surgem Sundiata, que passa a servi-lo, e Sotigui, o griot que procura acordar a consciência do rei. Ao contrário do que pensava o Rosário, Makeda trama para obter o poder total e, junto com Akosua, acaba por abandoná-lo à própria sorte.

Leão Rosário, sofrendo por suas escolhas, sem a força e a razão que outrora o fizeram um grande rei, perambula atormentado por suas terras transformadas em um céu abismal, enquanto invoca os elementos da natureza e conversa com vozes e objetos. Essa transposição da obra de Shakespeare para a África e as diásporas negras, para Assumpção, segue um importante movimento de decolonização na cena teatral. 

“Seguimos o caminho de dramaturgos como Wole Soyinka, Aimé Césaire e Abdias Nascimento, que se inspiraram na obra do bardo inglês para contar histórias de suas regiões, religiões e costumes, sempre resistindo e avançando com a cena teatral nos movimentos de descolonização. No sentido contrário e, ao mesmo tempo, uma sobreposição feliz, também nos inspira o teatro de Peter Brook, que em sua universalidade dialoga com as formas africanas de contar histórias”.

“Para muitos, William Shakespeare inventou, nas artes, o homem moderno. E a característica principal desta invenção é a capacidade de nos transformarmos. Até a um herói trágico é dada a possibilidade de contrariar o destino. Tal maleabilidade se estende para o conjunto de sua obra. Nessa encruzilhada, nesse ponto de Exu, o reencontro com Bispo do Rosário, o artista, o homem preto, aprisionado, obstinado no cumprimento de sua missão de reconstruir o mundo, a conta brilhante, brilhante de ouro e prata, do rosário dos homens pretos do Brasil. As vozes de dentro e as de fora trespassando nosso coração”, acrescenta Assumpção sobre o encontro entre Shakespeare e Bispo do Rosário.

Ficha técnica
Espetáculo "Leão Rosário"
Patrocínio: Banco do Brasil
Realização: Centro Cultural Banco do Brasil e Ministério da Cultura
Concepção, dramaturgia e atuação: Adyr Assumpção
Direção: Eduardo Moreira
Assistente de direção: Letícia Castilho
Inspirado na obra Rei Lear de William Shakespeare na tradução de Millôr Fernandes
Direção musical e Preparação Vocal: Ernani Maletta
Preparação Corporal: Camilo Gan
Cenário: Jorge dos Anjos
Objetos e Adereços em bambu: Lúcio Ventania
Adereços: Adriana D’Assumpção
Iluminação: Eliezer Sampaio
Arquitetura: João Diniz
Manto e farda bordados: Stella Guimarães
Manto e farda modelagem: Silvia Reis
Túnicas: Rosângela Cristina de Oliveira
Trilha sonora original: Heberte Almeida
Vozes gravadas: Michelle de Sá (Makeda),Elisa de Sena(Akosua),Iasmim Alice(Agotimé), Reibatuque (Rei das Matas), Eduardo Moreira ( Sundiata) e Ernani Maletta (Sotigui).
Músicos: Heberte Almeida, Pablú e Leo Alves
Estúdio de gravação e mixagem: Leonardo Marques - Ilha do Corvo
Mixagem de voz : Flora Guerra
Programação Qlab - Vinicius Alves
Fotografia: Pablo Bernardes
Vídeos: Alex Queiróz
Design gráfico: Flávio Vignoli
Produção executiva: Tâmara Braga e Maíz d’Assumpção
Idealização e produção: T’AI Criação e Produção
Assessoria de imprensa: Pombo Correio

Serviço
Espetáculo "Leão Rosário"
Temporada: de 24 de maio a 23 de junho
Local: Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo 
Endereço: Rua Álvares Penteado, 112 – Centro Histórico, São Paulo – SP 
Horário: Quintas, sextas e segundas-feiras, às 19h00 | Sábados e domingos, às 17h00.
Ingressos: R$30 (inteira) e R$15 (meia) em bb.com.br/cultura e bilheteria do CCBB (Disponíveis a partir de 17 de maio) * Desconto de 50% no valor do ingresso para clientes BB.
Duração: 60 minutos
Classificação indicativa: 12 anos
Capacidade: 120 lugares
Acessibilidade: teatro acessível a cadeirantes e pessoas com mobilidade reduzida
Entrada acessível CCBB SP: Pessoas com deficiência ou mobilidade reduzida e outras pessoas que necessitem da rampa de acesso podem utilizar a porta lateral localizada à esquerda da entrada principal. Funcionamento CCBB SP: Aberto todos os dias, das 9h às 20h, exceto às terças 
Informações: (11) 4297-0600
Estacionamento: O CCBB possui estacionamento conveniado na Rua da Consolação, 228 (R$ 14 pelo período de 6 horas - necessário validar o ticket na bilheteria do CCBB). O traslado é gratuito para o trajeto de ida e volta ao estacionamento e funciona das 12h às 21h.
Transporte público: O Centro Cultural Banco do Brasil fica a 5 minutos da estação São Bento do
Metrô. Pesquise linhas de ônibus com embarque e desembarque nas Ruas Líbero Badaró e Boa Vista.
Táxi ou Aplicativo: Desembarque na Praça do Patriarca e siga a pé pela Rua da Quitanda até o CCBB (200 m).
Van: Ida e volta gratuita, saindo da Rua da Consolação, 228. No trajeto de volta, há também uma parada no metrô República. Das 12h às 21h.

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.: Inspirado no universo de Borges, solo "Quase Infinito" estreia no Sesc Pompeia

Com direção de Elcio Nogueira Seixas e dramaturgia e atuação de João Paulo Lorenzon, a peça representa grandes enfrentamentos da condição humana em cinco atos. Foto: Maurizio Mancioli

O ator e dramaturgo João Paulo Lorenzon e o diretor Elcio Nogueira Seixas se reencontram para montar mais uma peça inspirada no universo do renomado escritor argentino Jorge Luis Borges (1899-1986). Trata-se do solo "Quase Infinito", que estreia nesta terça-feira, dia 21 de maio, no espaço cênico do Sesc Pompeia e fica em cartaz até 7 de junho, com apresentações de terça a sexta-feira, às 20h30. 

A primeira parceria entre os dois criadores aconteceu em 2008, quando eles montaram “Memória do Mundo”, peça fundação de uma amizade lírica animada pelo sopro poético de Borges. A cegueira do gênio argentino guiou a dupla por labirintos da experiência teatral que iluminaram a trajetória de ambos os artistas. 

O espetáculo surgido deste encontro carregava uma torrente de afetos e desafios sensoriais que viriam a tornar-se o veio criativo de Lorenzon, donde brotariam todos os seus inquietantes trabalhos. Ao longo dos últimos 15 anos de amizade, além da admiração mútua, Lorenzon e Seixas não viam a hora de voltar a visitar a obra de Borges. E a oportunidade surgiu durante a pandemia de Covid-19, quando Lorenzon começou a escrever a dramaturgia de Quase Infinito e convidou o amigo para dirigi-lo em cena novamente. 

Escrita em cinco atos, Quase Infinito nasceu das inquietações vividas pela humanidade – e pelos próprios alunos de teatro de Lorenzon – em meio ao isolamento social e à impiedosa quantidade de vidas perdidas nesse período. A peça representa alguns dos grandes enfrentamentos da condição humana inspirados pelo universo de Borges. São eles: os confrontos com a tentação do ódio; com o nada e o esquecimento, como ameaças de esvaziamento de si próprio e do mundo; com a incomunicabilidade; e com as chances de renascimento disponíveis para agarrarmos a cada novo dia. 

Em cada ato humano – e do próprio solo – há um corpo em luta, lançado à busca de realizar a própria existência, e ao mesmo tempo, à beira de se entregar ao gozo da própria miséria. E, sob essa perspectiva, um corpo pode ser condição de partida, mas não garante que existimos. A dramaturgia é construída a partir de uma série de situações que revelam esses enfrentamentos. Em um dos atos, um matador corre sobre um trem em movimento, buscando alguém por entre os vagões para derramar seu ódio, como um ser torturado pela máquina de seus desejos, manias e vícios.

Em outro, um palhaço enroscado numa corrente é sugado para dentro do buraco negro do nada, como um Prometeu acorrentado à rocha de seu crânio, e luta contra o esvaecimento do mundo. Um prisioneiro acuado em uma jaula tenta fugir dos inúmeros olhos implacáveis que clamam por seu fuzilamento, como um cão arrastado pela coleira de seus medos, como um rato no experimento à espera de um castigo, ou como uma abelha paralisada no âmbar de seu próprio mel.

Um amante está preso na repetição vazia de seu erotismo enquanto é invadido pelo esquecimento, como um escafandrista mergulhado no abismo de suas memorias, um astronauta congelado vagando solto pelo universo. E, por fim, um homem renasce no próprio jardim, a partir de novas angulações, como todos nós, todos os dias. 

Ficha técnica
Solo "Quase Infinito"
Inspirado no universo de Jorge Luis Borges
Direção: Elcio Nogueira Seixas
Dramaturgia e atuação: João Paulo Lorenzon
Cenografia: Márcia Moon
Desenho de luz: Lúcia Chedieck
Composição musical original: Marcelo Pellegrini
Direção de vídeo e videomapping: André Grynwask e Pri Argoud - Um Cafofo
Direção de movimento: Debora Veneziani
Preparação circense: Kiko Caldas
Preparação corporal: Mayara Sanches
Preparação física: Leandro Marques
Assistência de cenografia e direção de palco: Espirro - Marcio Zunhiga
Operação de som e vídeo: Marcelo Pellegrini/ Dugg Mont
Suporte técnico: Jorge Leal
Direção de produção: Raul Mahfuz
Produção executiva: Martha Lozano
Fotografia e identidade visual: Maurizio Mancioli
Consultoria identidade visual: Lilian Vidigal
Gerenciamento Redes Sociais: Lukas Cordeiro
Assessoria de Imprensa: Pombo Correio Assessoria de Comunicação

Serviço
Solo "Quase Infinito", de João Paulo Lorenzon
Temporada: 21 de maio a 7 de junho, de terça a sexta-feira, às 20h30. Somente dia 30/05 (feriado de Corpus Christi), o horário será às 17h30.
Sesc Pompeia - Espaço Cênico – Rua Clélia, 93, Água Branca
Ingressos: R$ 40,00 (inteira), R$ 20,00 (estudante), R$ 12,00 (credencial)
Venda on-line em sescsp.org.br 
Classificação: 14 anos
Duração: 75 minutos
Capacidade: 40 lugares
Acessibilidade: teatro acessível a cadeirantes e pessoas com mobilidade reduzida

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.: "Daqui Ninguém Me Tira": especulação imobiliária e marchinhas de carnaval

"Daqui Ninguém Me Tira" é uma comédia musical que traz uma mensagem poderosa a partir da história de Velvet (Alexia Twister), uma drag queen que se vê prestes a ser despejada de seu antigo barracão para dar lugar a novos empreendimentos. Escrita por Noemi Marinho, a peça aborda de forma humorada e reflexiva o conflito entre o progresso representado por Herculano (Giovani Tozi revezando com Anderson Müller), um funcionário de uma grande incorporadora, e a preservação da memória e identidade de Velvet.

Na trama, Herculano se vê dividido entre apoiar Velvet e cumprir suas obrigações profissionais, criando um embate interessante que não se resume a mocinhos e bandidos. A comédia musical explora os dois lados da história, questionando como conciliar o avanço urbanístico com a manutenção das raízes e do patrimônio cultural. A encenação de Neyde Veneziano se inspira nos numerosos canteiros de obras da cidade de São Paulo, estabelecendo uma analogia entre a rica memória do Teatro de Revista, simbolizada pelas exuberantes vedetes, e o gradual desaparecimento da arquitetura urbana, junto com suas histórias entrelaçadas.

Veneziano é reconhecida como uma das principais autoridades no estudo do Teatro de Revista, tendo escrito cinco livros sobre o assunto. Durante uma entrevista com Jô Soares, o apresentador fez questão de destacar que a diretora "introduziu o Teatro de Revista no ambiente acadêmico". Em 2024, após anos de estudo dedicados à figura da vedete, Veneziano faz uma afirmação provocativa em "Daqui Ninguém Me Tira": "A herdeira da vedete é a drag”.

A dramaturgia de "Daqui Ninguém Me Tira" é assinada por Noemi Marinho, conhecida por seu trabalho em sucessos de bilheteria como "Almanaque Brasil", "Fulaninha e Dona Coisa" e "Brasil S/A", tendo recebido reconhecimento através de prêmios como Shell, APETESP, APCA e Mambembe. Noemi desenvolve uma narrativa com diálogos ágeis, fundamentada no embate ideológico dos protagonistas.

O grande desafio da trama foi explorar a humanidade e os princípios que motivam cada personagem, sem recorrer à dicotomia entre bem e mal. Desde o início do espetáculo, o público é levado a uma jornada eletrizante, com canções e imagens, imergindo nas motivações dos personagens, algo cada vez mais raro em tempos de polarização. Empatia é uma palavra que parece simples, mas esbanja complexidade.

Sobre a dramaturgia de Noemi Marinho, no livro "O Teatro de Noemi Marinho", Márcia Abujamra destaca: "a percepção aguda que Noemi Marinho tem de seus personagens se reflete em um diálogo ágil que surpreende o leitor-espectador pelas conclusões que sugere e, se não quisermos ser deixados para trás, nos obriga a acompanhar e participar ativamente de cada momento. Assim são as peças e os personagens de Noemi Marinho: em constante movimento." (Imprensa Oficial, 2007).

Idealizado pelo ator e produtor Giovani Tozi, "Daqui Ninguém Me Tira representa" a união de duas figuras femininas de extrema relevância na história do teatro brasileiro: Noemi Marinho e Neyde Veneziano. Esta colaboração resulta em um diálogo rico e significativo sobre a sensibilidade à diversidade. Marinho e Veneziano abrem-se para a escuta ativa e a troca de ideias, mergulhando em reflexões extremamente atuais sobre como promover a inclusão e a consciência social em um contexto marcado pela crescente individualidade e solidão nas grandes metrópoles.

O espetáculo não apenas entretém, mas também busca provocar o espectador a refletir sobre questões essenciais da sociedade contemporânea, como a importância de valorizar e respeitar a diversidade em todas as suas formas. Tozi desenvolve sua pesquisa de doutorado sobre Jô Soares na Unicamp, através de uma pesquisa sobre o humor. Nela, o ator se aprofunda em teorias contemporâneas sobre a comicidade e de que forma os atores podem desenvolver e aperfeiçoar as formas de provocar o riso no público. Questionado sobre o porque dessa vontade em fazer o público rir, Tozi cita Jô Soares: “só o humor pode salvar o Brasil".

"Daqui Ninguém Me Tira" mergulha nas tensões geracionais e ideológicas, buscando inspiração no caos urbano para criar uma fusão entre marchinhas de carnaval e hits da música pop, refletindo os fragmentos de um passado já distante. A presença da banda ao vivo estabelece o ritmo de um bloco de carnaval fora de época, mas também anuncia o desfecho inevitável. Trágico e cômico "Daqui Ninguém Me Tira" é um ensaio sobre nossa capacidade (ou falta dela) de conviver com o outro, e a inabilidade de lidar com os conflitos que permeiam as relações humanas.

Sobre o texto de Noemi Marinho
Sobre as atualizações em relação à primeira versão do texto, Noemi diz: “Velvet agora, ainda que filha espiritual do glorioso Teatro de Revista, é sangue novo pulsando futuro. Tem brilho próprio, além do cosmético, naturalmente. E a empresa que Herculano representa está ainda mais voraz e audaciosa”.

De acordo com a autora, “o texto original dramatizava um pouco a audácia e a ganância das incorporadoras. A realidade, mais uma vez, superou a ficção: todos temos uma rua ou um bairro do coração que já está destruído ou ameaçado. A ficção agora só pontua”.

Ficha técnica
Espetáculo "Daqui Ninguém Me Tira". Texto: Noemi Marinho. Argumento: Giovani Tozi. Direção: Neyde Veneziano. Elenco: Alexia Twister e Giovani Tozi. Trilha Sonora: Rafael Passos. Piano: Rafael Passos; Sopro: Rafaela Penteado. Cenário e Figurino: Fábio Namatame. Iluminação: Domingos Quintiliano. Direção de Vídeo: Matheus Luz. Assistente de direção: Pedro Machitte. Administração Financeira: Carlos Gustavo Poggio. Produção Executiva: Felipe Calixto e Nayara Rocha. Assistência de Produção: Bruno Tozi. Assessoria de Imprensa – Arteplural – Fernanda Teixeira e Macida Joachim. Assessoria Jurídica: Martha Macruz de Sá. Direção de Arte Gráfica, Produção e Idealização: Giovani Tozi. Realização: Tozi Produções Artísticas, CG Educação e Arte.

Temporada Teatro Sabesp Frei Caneca
Até 28 de junho.Duração: 75 minutos.
Ingressos: R$ 80,00 e R$ 40,00 (meia-entrada) e R$ 60,00 e R$ 30,00 (meia-entrada)
Classificação: 12 anos. Menores de 14 anos, somente poderão entrar acompanhados dos pais ou responsáveis e crianças até 24 meses de idade que ficarem no colo dos pais, não pagam.

Turnê:
8 de junho - Teatro Municipal São Bernardo do Campo
22 e 23 de junho - Daqui Ninguém Me Tira - Teatro Municipal São José do Rio Preto
24 de agosto - Teatro Municipal Sorocaba

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.: Grupo Prole apresenta o infantil "Era Uma Vez Um Tirano" em teatros de SP

Inspirada no livro homônimo de Ana Maria Machado, a adaptação tem direção de Bete Dorgam e traz no elenco Angela Ribeiro / Katia Naiane, Bruna Aragão, Fernanda Assef, Sidney Santiago / Diego Garcias e Alexandre Mello (música ao vivo). Foto: Marcello Vitorino

Encenado pela primeira vez em 2018, o espetáculo infantil "Era Uma Vez um Tirano", do Grupo Prole de Teatro, adaptou para o palco o livro homônimo de Ana Maria Machado e foi indicado naquele ano ao Prêmio São Paulo, na categoria de melhor adaptação. O livro foi escrito em 1982 durante a reabertura política nos últimos anos da ditadura militar no Brasil. E, agora, 60 anos depois do golpe de 64, o projeto do Grupo Prole contemplado pela 18ª Edição do Prêmio Zé Renato de Teatro da Secretaria da Cultura volta aos palcos e realiza 24 apresentações gratuitas na cidade de São Paulo entre maio e agosto.

A circulação começou no teatro CEU São Miguel (dia 16 de maio), e passa pelos teatros Cacilda Becker (de 25 de maio a 2 de junho), Paulo Eiró (de 15 a 23 de junho), Alfredo Mesquita (de 29 de junho a 7 de julho) e Flávio Império (nos dias 12 e 19 de julho).  Além das apresentações seguidas de debate, cada espaço receberá uma oficina gratuita de jogos teatrais para adultos e crianças. E a versão online da peça será disponibilizada gratuitamente no youtube do Grupo Prole ao longo de três meses.

O livro de Ana Maria Machado foi publicado em 1982 pela editora Salamandra e fez tanto sucesso que ganhou até uma leitura dramática em 2002, na Alemanha, pela Berliner Ensemble, companhia do dramaturgo Bertolt Brecht. A montagem brasileira é considerada o primeiro trabalho do Grupo Prole para o público infantil.  A direção é de Bete Dorgam, e a montagem traz no elenco Angela Ribeiro / Katia Naiane, Bruna Aragão, Fernanda Assef, Sidney Santiago / Diego Garcias e música ao vivo realizada por Alexandre Mello.

A peça conta a história de três crianças que criativamente conseguem acabar com a tirania que muda a vida dos habitantes e atrapalha a liberdade das pessoas, uma reflexão lúdica sobre política e cidadania. Utilizando da imaginação da plateia e da brincadeira proposta pelos atores, os personagens vão sendo criados em cena com a trilha sonora ao vivo do compositor Alexandre Mello e a iluminação de Felipe Tchaça, que dão o tom dessa grande brincadeira entre artista e plateia.  

“As proibições do Tirano, lembradas no livro, estavam na memória recente de todos. E não vigoravam apenas no Brasil, mas em vários outros países vizinhos. Minha proposta para vencer a situação era simbólica, naturalmente. Mas tinha a ver com o caminho em que eu acreditava: uma festa feita com a união de toda a nação, nas suas diferentes etnias e gerações, com os recursos da memória e da criatividade artística, e com a pureza e coragem das crianças”, relata a autora Ana Maria Machado em texto publicado na segunda edição do livro.  

Ao encenar este texto, o Grupo Prole propõe refletir junto ao público sobre assuntos que tanto preocupam e permeiam discussões contemporâneas - democracia, acesso à arte, direitos do cidadão, liberdade de expressão, a importância do diálogo entre pessoas que têm ideias diferentes, entre outras.  Para contar esta história de assuntos tão adultos e que se refere a um período político da nossa história tão complexo, a encenação joga com a imaginação das crianças e da brincadeira de atores que vão criando personagens e cenários.  

Neste jogo o elenco se coloca ludicamente diante não apenas dos efeitos da tirania, mas também diante do desejo de ser o tirano. “Isso nos leva a pensar também sobre as pequenas tiranias e radicalismos que cometemos. E como somos individualmente responsáveis por, em nossas ações sociais, cuidar do espaço público e dos direitos democráticos. Não através do ódio, mas do diálogo e do respeito ao direito de pensar e ser diferente”, explica a produtora Fernanda Assef. "Compre o livro "Era Uma Vez um Tirano", de Ana Maria Machado, neste link.

Ficha técnica
Espetáculo "Era Uma Vez Um Tirano", de Ana Maria Machado
Direção: Bete Dorgam
Adaptação do texto: Grupo Prole
Elenco: Angela Ribeiro, Bruna Aragão, Fernanda Assef e Sidney Santiago
Stand in: Katia Naiane e Diego Garcias
Música ao vivo e direção musical: Alexandre Mello 
Cenário e figurino: Grupo Prole
Iluminação: Felipe Tchaça
Técnico de som e músico stand in: Danilo Pinheiro
Assistência de direção: Katia Naiane

Serviço
Espetáculo "Era Uma Vez Um Tirano"

Apresentações
Espetáculo "Era Uma Vez Um Tirano", do Grupo Prole
Ingressos: grátis, distribuídos uma hora antes de cada sessão
Classificação: livre
Duração: 45 minutos
*cada apresentação será seguida de debate com a equipe artística

Teatro Cacilda Becker
De 25 de maio a 2 de junho, aos sábados e domingos, às 16h00
Rua Tito, 295, Lapa / São Paulo

Teatro Paulo Eiró
De 15 a 23 de junho, aos sábados e domingos, às 16h00
Av. Adolfo Pinheiro, 765, Santo Amaro / São Paulo

Teatro Alfredo Mesquita
De 29 de junho a 7 de julho, aos sábados e domingos, às 16h00
Av. Santos Dumont, 1770, Santana / São Paulo

Teatro Flávio Império
De 12 e 19 de julho, às sextas-feiras, às 15h00
R. Prof. Alves Pedroso, 600, Cangaíba / São Paulo

On-line
"Era Uma Vez Um Tirano", do Grupo Prole
https://youtu.be/jk6nRy8-8Bg
De 15 de maio a 15 de agosto
Duração: 40 minutos

Oficinas
"Explorando a Arte dos Jogos Teatrais: oficinas de Empatia e Trabalho em Grupo para Crianças e Adultos".
Ingressos: grátis. inscrições pelo email grupo.prole@gmail.com. Enviar nome e idades dos participantes e colocar no título do email “OFICINA JOGOS TEATRAIS - local e data”
Classificação: livre
Duração:  60 minutos

Teatro Cacilda Becker
Dia 1º de junho, sábado, às 17h30
R. Tito, 295, Lapa / São Paulo

Teatro Paulo Eiró
Dia 22 de junho, sábado,  às 17h30
Av. Adolfo Pinheiro, 765, Santo Amaro / São Paulo

Teatro Alfredo Mesquita
Dia 6 de julho, sábado, às 17h30
Av. Santos Dumont, 1770, Santana / São Paulo

Teatro Flávio Império
Dia 19 de julho, sexta-feira, às 16h30
R. Prof. Alves Pedroso, 600, Cangaíba / São Paulo

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