.: “Quero Ser Grande” ganha musical quase quatro décadas depois do filme

Clássico estrelado por Tom Hanks chega aos palcos do Rio em 2027 com direção de Tadeu Aguiar e recupera a história do menino que descobriu que crescer pode ser bem mais complicado do que parecia

Antes de aprender a lidar com boletos, reuniões, responsabilidades e outras pequenas tragédias da vida adulta, Josh Baskin só queria uma coisa: crescer. Em “Quero Ser Grande”, clássico de 1988 estrelado por Tom Hanks, um pedido feito diante de uma misteriosa máquina de desejos transforma a infância do personagem em uma experiência bastante peculiar. Agora, quase 40 anos depois, a história ganha uma nova vida no Brasil em “Quero Ser Grande - O Musical”. A Estamos Aqui Produções Artísticas anunciou a montagem, com estreia prevista para o primeiro semestre de 2027 no Teatro Multiplan, no Rio de Janeiro. Tadeu Aguiar assina a direção geral e as versões, Thalyson Rodrigues responde pela direção musical e Sueli Guerra pela direção de movimento e coreografias.

No filme dirigido por Penny Marshall, Josh Baskin é um garoto cansado das limitações impostas pela infância. Depois de fazer um pedido em uma máquina de parque de diversões, ele acorda no corpo de um homem de aproximadamente 30 anos. A aparência muda, mas a cabeça continua sendo a de uma criança. A situação coloca Josh diante de um mundo que ele ainda não entende. Trabalho, dinheiro, relacionamentos e decisões passam a fazer parte da rotina de alguém que, apesar do corpo adulto, continua descobrindo como funciona a vida. O personagem acaba conseguindo emprego em uma empresa de brinquedos, onde sua maneira infantil de observar as coisas se revela uma qualidade inesperada.

O filme se tornou um dos grandes sucessos da década de 1980 e ajudou a consolidar Tom Hanks como um dos principais nomes da comédia cinematográfica. A atuação lhe rendeu sua primeira indicação ao Oscar, além do Globo de Ouro de Melhor Ator em Comédia ou Musical. Entre as cenas mais lembradas está a sequência em que Hanks e Robert Loggia dançam sobre o enorme piano da loja de brinquedos FAO Schwarz, em Nova York.

A história de Josh já havia deixado o cinema para chegar aos palcos. “Big - The Musical” estreou na Broadway em 1996, no Shubert Theatre, com libreto de John Weidman, músicas de David Shire e letras de Richard Maltby Jr. A montagem recebeu cinco indicações ao Tony Awards, incluindo Melhor Libreto, Melhor Trilha Sonora Original e Melhor Coreografia. Anos depois, a adaptação ganhou apresentações no Reino Unido e chegou ao West End londrino em 2019.

A versão brasileira parte justamente dessa trajetória musical. Tadeu Aguiar e sua equipe assumem a tarefa de levar para o palco uma história que depende bastante da relação entre infância e vida adulta, fantasia e responsabilidade. A montagem ainda não teve elenco divulgado, e informações sobre audições, temporada e venda de ingressos serão anunciadas posteriormente.

À frente do projeto está a Estamos Aqui Produções Artísticas, de Tadeu Aguiar e Eduardo Bakr, que já levou aos palcos brasileiros musicais como “A Cor Púrpura”, “Querido Evan Hansen”, “Quase Normal”, “Ou Tudo ou Nada” e “Diana – A Princesa do Povo”. A dupla também esteve envolvida em trabalhos como “Bibi, Uma Vida em Musical” e “Quatro Faces do Amor”. A produtora prepara ainda “Olga”, adaptação musical da biografia de Olga Benário Prestes escrita por Fernando Morais, com estreia prevista para o segundo semestre de 2027. O projeto terá direção de Tadeu Aguiar, letras de Eduardo Bakr, músicas e arranjos de Laura Visconti e direção musical de Thalyson Rodrigues.

Em “Quero Ser Grande - O Musical”, a pergunta continua sendo bastante simples: o que aconteceria se fosse possível pular imediatamente para a vida adulta? Josh descobre que o desejo pode ser realizado, mas também aprende que crescer talvez seja menos uma questão de idade e mais de descobrir, aos poucos, o que fazer com as escolhas que aparecem pelo caminho.

Ficha técnica

Título: “Quero Ser Grande - O Musical”

Baseado em: “Quero Ser Grande” (“Big”)

Direção geral e versões: Tadeu Aguiar

Direção musical: Thalyson Rodrigues

Direção de movimento e coreografias: Sueli Guerra

Produção: Estamos Aqui Produções Artísticas

Estreia prevista: primeiro semestre de 2027

Local: Teatro Multiplan – Rio de Janeiro

Elenco: a definir

Audições: informações serão divulgadas pela produção

Ingressos: informações em breve

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.: “Na Festa da Revolução”: D’Annunzio no centro de uma conspiração em 1919

Filme de Arnaldo Catinari combina espionagem, romance e disputa política ao reconstruir a aventura de Gabriele D’Annunzio em Fiume, às vésperas da ascensão do fascismo

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Uma festa de instalação, um atentado, uma espiã russa, um médico desertor, um chefe dos serviços secretos e Gabriele D’Annunzio no centro de tudo. O cenário é Fiume, em 1919, quando a cidade se torna palco de uma experiência política tão extravagante quanto controversa. É nesse terreno fértil para conspirações que se movimenta “Na Festa da Revolução: O Poeta e a Espiã”, drama histórico dirigido por Arnaldo Catinari, disponível gratuitamente no  streaming Belas Artes À La Carte durante o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil.

Na trama, Beatrice, interpretada por Valentina Romani, chega a Fiume a serviço da Rússia justamente no dia em que D’Annunzio dá início à sua chamada revolução. Durante a festa que marca a instalação do poeta e herói de guerra no comando da cidade, um atentado contra sua vida muda o rumo dos acontecimentos. Beatrice passa então a investigar quem está por trás da tentativa de assassinato e acaba envolvida com Pietro, chefe dos serviços secretos italianos, vivido por Riccardo Scamarcio, e Giulio, personagem de Nicolas Maupas, médico, desertor da Primeira Guerra Mundial e próximo aos círculos anarquistas.

O trio movimenta uma narrativa em que as convicções políticas disputam espaço com desejos pessoais. Enquanto Beatrice tenta cumprir sua missão, Pietro se vê dividido entre suas funções e os próprios ideais. Giulio carrega as marcas da guerra e uma posição política que o coloca em rota de colisão com as estruturas de poder. E D’Annunzio, interpretado por Maurizio Lombardi, paira sobre esse tabuleiro como uma figura histórica impossível de ignorar.

O filme é livremente inspirado no livro “Alla Festa della Rivoluzione”, da historiadora Claudia Salaris, publicado pela editora italiana Il Mulino. Catinari assina o roteiro ao lado de Silvio Muccino, transformando o episódio histórico em uma trama que combina acontecimentos reais e personagens ficcionais. A chamada “aventura de Fiume”, liderada por D’Annunzio a partir de setembro de 1919, tornou-se uma experiência política peculiar no período que antecedeu a consolidação do fascismo na Itália. O poeta ocupou a cidade com um grupo de legionários e estabeleceu uma estrutura de governo que misturava nacionalismo, estética, provocação política e ideias de caráter revolucionário. É essa combinação pouco comportada que interessa ao filme.

A produção também chama atenção pelo encontro de Valentina Romani e Nicolas Maupas, conhecidos do público italiano por “Mare Fuori”. Os dois voltam a contracenar em papéis bastante diferentes daqueles associados à série juvenil. A presença de Riccardo Scamarcio completa um elenco que ainda reúne Darko Perić, Daniele Paoloni, Luca Tanganelli, Susanna Acchiardi, Tim Daish, Giuseppe Gaiani e Julien Bouanich.

Catinari, conhecido também por trabalhos como diretor de fotografia, assume aqui a direção do longa e ainda responde pela fotografia. As filmagens aconteceram no Friuli-Venezia Giulia, durante sete semanas, entre outubro e dezembro de 2024. Udine, Trieste, Gorizia e Palmanova serviram de locação. Em Udine, espaços como a Piazza Libertà, o Palazzo D’Aronco, a Loggia del Lionello e o Palazzo del Comune foram adaptados para representar a Fiume do início do século XX. Mais de 700 figurantes participaram das filmagens.

A escolha das locações tem um detalhe curioso: como Fiume passou a fazer parte da atual Croácia e hoje se chama Rijeka, a produção italiana encontrou no Friuli-Venezia Giulia uma maneira de reconstruir visualmente a cidade histórica sem abandonar a própria Itália. O resultado é uma recriação de época que ocupa um papel importante na narrativa e ajuda a sustentar o clima de instabilidade política.

“Na Festa da Revolução” estreou na 20ª Festa do Cinema de Roma, em 2025, na seção Grand Public, antes de chegar ao circuito comercial italiano em abril de 2026. No Brasil, o filme integra a programação contemporânea do 21º Festival de Cinema Italiano e pode ser visto gratuitamente pelo Belas Artes À La Carte entre 5 de novembro e 1º de dezembro de 2026, inclusive por quem não é assinante.

O longa encontra um momento histórico particularmente fértil para o cinema porque Fiume reúne personagens, ideologias e desejos que parecem ter sido escritos para uma trama de espionagem. Só que a história aconteceu. E talvez seja justamente aí que esteja a graça — e o perigo — de revisitar esse episódio: D’Annunzio, antes de Mussolini consolidar o fascismo, já experimentava uma forma de política espetacular, performática e profundamente marcada pela figura do líder.

Entre espiões, anarquistas, militares, poetas e apaixonados, Catinari constrói uma aventura histórica que prefere a tensão dos personagens ao tradicional desfile de datas e acontecimentos. A revolução, aqui, começa numa festa. Como tantas outras festas políticas, termina com gente demais querendo descobrir quem está de cada lado.

Serviço
“Na Festa da Revolução” integra o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica
“Na Festa da Revolução: O Poeta e a Espiã” | “Alla festa della Rivoluzione” (título original) | “The Poet and the Spy” (título internacional)
Gênero: drama histórico. Duração: 98 minutos. Classificação indicativa: não localizada em fonte oficial brasileira consultada. Ano de produção: 2025. Data de lançamento: 16 de abril de 2026, na Itália; estreia no Brasil dentro do 21º Festival de Cinema Italiano. Idioma: italiano. Direção: Arnaldo Catinari. Roteiro: Arnaldo Catinari e Silvio Muccino, livremente inspirado no livro “Alla festa della rivoluzione”, de Claudia Salaris. Elenco: Valentina Romani, Nicolas Maupas, Maurizio Lombardi, Riccardo Scamarcio, Darko Perić, Daniele Paoloni, Luca Tanganelli, Susanna Acchiardi, Tim Daish, Giuseppe Gaiani e Julien Bouanich. Distribuição no Brasil: 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil / Belas Artes À La Carte. Cenas pós-créditos: não identificadas nas fontes consultadas. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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.: Peça “Escola Modelo” leva debate para o teatro no Dia da Consciência Negra

Espetáculo de Fernando Vilela e Bruno Lourenço coloca em cena experiências de Letícia Calvosa e Pedro Granato para discutir cotas, desigualdade racial e formação escolar. Foto: José de Holanda

Uma mulher negra que enfrentou os dilemas das cotas para chegar à universidade. Um homem branco que participou da implementação de políticas de cotas e de ações voltadas à educação pública. Em “Escola Modelo”, essas duas experiências ocupam o mesmo espaço para discutir como o racismo interfere na formação escolar e nas oportunidades que chegam ou não a diferentes grupos. O espetáculo, dirigido por Fernando Vilela e com dramaturgia de Bruno Lourenço, está em cartaz no iBT – Instituto Brasileiro de Teatro, em São Paulo, e ganha uma sessão extra no dia 20 de novembro, feriado da Consciência Negra, às 19h00. A temporada segue até 29 de novembro, com entrada gratuita. 

No palco, Letícia Calvosa e Pedro Granato partem de suas próprias trajetórias para aproximar experiências pessoais de questões que envolvem políticas públicas, instituições de ensino e desigualdade racial. A dramaturgia estabelece diálogo com o pensamento de Sueli Carneiro, Cida Bento e Lívia Sant’anna Vaz.

Para Letícia, a escola foi um espaço decisivo na formação de sua identidade e na maneira como passou a compreender o racismo. A atriz relata ter encontrado professores sem letramento racial e materiais didáticos nos quais não se reconhecia. A experiência pessoal ganha dimensão coletiva quando a montagem questiona quais histórias são ensinadas, quais referências chegam aos estudantes e quem tem condições de avançar dentro do sistema educacional.

Pedro Granato chega à discussão por outro caminho. Durante sua atuação no poder público, participou da implementação de cotas raciais em programas educacionais e de iniciativas que levaram escolas para regiões periféricas. A experiência também o colocou diante das contradições de instituições que passaram a incorporar o discurso antirracista depois de décadas reproduzindo desigualdades.

“Escola Modelo” não se limita ao debate sobre a existência das cotas. A peça olha para a escola como espaço onde relações sociais, privilégios e preconceitos são aprendidos e reproduzidos, mas onde também podem surgir outras possibilidades de convivência. A encenação aproxima elementos de uma sala de aula da contação de histórias e de procedimentos ligados ao teatro épico de Bertolt Brecht. A intenção é manter o público dentro da discussão, sem transformar a plateia em espectadora passiva de uma tese pronta. A pergunta que permanece é outra: que modelo de educação poderia ser construído para atender de fato a todos?

A cenografia dialoga ainda com “Dogville”, filme de Lars von Trier. Módulos rotativos remetem a lousas escolares e mudam de função durante a apresentação, enquanto cadeiras infantis coloridas são distribuídas entre os espectadores. O espaço da escola, assim, deixa de ser apenas cenário e passa a participar da própria discussão proposta pelo espetáculo. Para Fernando Vilela, colocar o público dentro desse debate significa pensar também no futuro da educação brasileira. A montagem pergunta que escola pode surgir quando as desigualdades que estruturaram a formação do país deixam de ser tratadas como assunto periférico.

Com 75 minutos de duração e classificação indicativa de 14 anos, “Escola Modelo” permanece em cartaz no iBT até 29 de novembro. A sessão de 20 de novembro amplia o encontro entre teatro e debate público justamente na data dedicada à reflexão sobre a população negra e sua trajetória no Brasil. 

Ficha técnica

"Escola Modelo"

Elenco: Pedro Granato e Letícia Calvosa

Direção: Fernando Vilela

Dramaturgia: Bruno Lourenço

Desenho de luz: Ariel Rodrigues

Direção de arte: Fernando Vilela

Figurino: Thais Sakuma

Preparação vocal: Malú Lomando

Técnico de palco e técnico de som: Diego Leo

Técnico de luz: Ariel Rodrigues

Produção executiva: Julia Terron

Assistência de produção: Diego Leo

Fotos de divulgação: José de Holanda

Assessoria de imprensa: Adriana Balsanelli e Renato Fernandes

Produção e realização: Jessica Rodrigues Produções e Pequeno Ato

Direção de produção: Jessica Rodrigues e Carolina Henriques

Serviço

“Escola Modelo”

Temporada: até 29 de novembro de 2026

Sessão extra: 20 de novembro, sexta-feira, às 19h00

Sábados: às 20h

Domingos: às 19h

Duração: 75 minutos

Classificação: 14 anos

Ingressos: gratuitos, com retirada na bilheteria uma hora antes de cada sessão

iBT – Instituto Brasileiro de Teatro

Pavilhão do térreo

Avenida Brigadeiro Luís Antônio, 277 – Bela Vista, São Paulo

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.: Manual Crônico, de Thiago Sobral: O cujo (E o dito-cujo)

Thiago Sobral é escritor e autor do livro "O Pai, a Faca e o Beijo", publicado pela Editora Patuá. Também publica semanalmente a coluna "Ao rés-do-chão" no Substack.

Eu não queria dizer, porque, olha… mas já dizendo: me intriga demais o dito-cujo que se infiltra pelas plagas e discursos que por aí se enveredam. Na verdade, o problema "cujo" se vê por aqui nem sempre é um problema. Embora, de uns tempos pra cá, ele esteja bastante tímido. Vez ou outra, vem à baila em lábios pomposos ou pedantes que pensam fazer bonito na pista do salão. O cujo "de cujo" falo, cá está: o pronome cujo, relativo e possessivo em sua espécie, mas não só ele.

Falar sobre questões, assuntos ou temas cujo teor nem sempre se venha a ter domínio requer uma certa dose de cinismo que, cá entre nós, temos bastante. Por isso, eis-nos aqui a tagarelar sobre tão nobre pronome. Como tenho o atento leitor em alta conta — certamente ele já notou meu pleníssimo domínio sobre o cujo —, hei de honrá-lo com uma bela ode ao dito-cujo.

Não é fácil empolar um texto cujas palavras evoquem a mais nobre erudição e, ainda assim, conseguir manter-se entre o amor e o humor; um texto de cujas palavras se drene poesia, sobre cujo conteúdo se construam sentidos. No entanto, o dito-cujo insiste, persiste e acredita que existe, no teor de seus atos de fala, a mais nobre mensagem com cujo destinatário se pretende caminhar.

Do mesmo modo, não é fácil encarar diuturnamente o dito-cujo que se esconde nos dutos da sociedade cujo conteúdo enche seus bolsos e esvazia os dos demais. Uma cidade, ou um Estado, ou um país cujas riquezas abundantes acorrem em calda grossa aos redutos de apenas alguns ditos-cujos se atrasa, e muito, e, dificilmente, um dia, conhecerá e fará bom uso do cujo.

Não que o cujo seja lá grande coisa (muito menos o dito-cujo), ninguém carece dele. Pode-se ser boa gente sem ele; pode-se ser intelectual; pode-se ser sábio; e, pode-se ser plenamente proficiente no idioma sem o conhecimento "cujo qual" aqui se fala. E mais — o mais importante —, é-se muito mais feliz sem ele.

Agora, com o dito-cujo nunca se pode ser realmente feliz, no sentido pleno da coisa. Certamente, o amigo conhece algum dito-cujo. Ele deve estar por aí na sua rua, no seu bairro, na sua empresa. O dito-cujo "de cujo" falamos é como uma praga: se espalha rápido e domina tudo; tem fala mansa e quer mostrar-se erudito, retórico, e, por isso, gosta do cujo. Já eu, que não sou lá muita coisa, com o cujo não me preocupo. Ora acerto e gosto do seu uso; ora escrevo-o como dá, só pela graça e pela pompa, ou por sorte mesmo. Estas linhas são testemunhas!

Mas o dito-cujo, não. Esse não me desce. E quem é o dito-cujo que tanto me aflige? Ah, meu capitão, aí é com você. Fique esperto, abra os olhos! Agora, se não quiser, tudo bem… Escolha um qualquer, pode ser um pronome, um nome, um menino ou um homem do poder. Porque o que mais importa é estar atento e forte, pois o dito-cujo cujo peso sempre se põe sobre nós nunca está longe e quase sempre parece saber - ou finge saber - usar o cujo.

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.: “Outra Mamãe” coloca menina de oito anos diante do pior pesadelo familiar

Novo romance de Josh Malerman, autor de “Caixa de Pássaros”, acompanha uma criança assombrada por uma entidade que ameaça ocupar o lugar da mãe e chegará ao cinema com Jessica Chastain

Bela tem oito anos, uma família em crise e uma visitante que aparece todos os dias com a mesma pergunta: “Posso entrar no seu coração?”. O problema é que a criatura não parece interessada apenas em assustá-la. Ela quer uma resposta e está ficando cada vez mais difícil mantê-la do lado de fora. Essa é a premissa de “Outra Mamãe”, novo romance de Josh Malerman autor de “Caixa de Pássaros”, publicado no Brasil pelo selo Planeta Minotauro, da Editora Planeta. A história acompanha Bela, a mãe, o pai e a Vovó Ruth enquanto uma presença sobrenatural passa a interferir na rotina da família e a explorar as fragilidades que já existiam dentro daquela casa.

A pergunta feita pela entidade funciona como uma espécie de ameaça recorrente. No começo, Bela ainda pode tentar ignorá-la. Conforme os acontecimentos se tornam mais perturbadores, porém, fica claro que a Outra Mamãe está ficando mais forte, ousada e difícil de conter. E, quando o casamento dos pais começa a ruir, a menina perde justamente a estrutura que deveria protegê-la. O terror de Malerman nasce desse encontro entre o sobrenatural e uma situação familiar reconhecível. Bela não precisa lidar apenas com uma criatura que invade seu cotidiano. Ela também precisa entender as mudanças que acontecem entre os adultos à sua volta, enquanto tenta descobrir em quem pode confiar.

A perspectiva infantil contribui para o desconforto. Bela compreende parte do que acontece, mas não dispõe das ferramentas de um adulto para organizar o medo ou avaliar as consequências de cada ameaça. O leitor acompanha essa percepção limitada enquanto a presença da Outra Mamãe ganha espaço. O romance chega ao Brasil depois de consolidar a reputação de Malerman como um dos nomes contemporâneos do horror. Seu primeiro livro, “Caixa de Pássaros”, tornou-se fenômeno editorial e ganhou uma adaptação para a Netflix estrelada por Sandra Bullock. O escritor também publicou “Uma Casa no Fundo de um Lago”, “Piano Vermelho”, “Inspeção” e “Malorie”, sequência de seu romance de estreia.

A nova história também já atravessou as páginas para chegar ao cinema. A adaptação de “Outra Mamãe” foi produzida por James Wan, da Atomic Monster, em parceria com a Blumhouse, com distribuição da Universal Pictures. Rob Savage dirige o filme, que tem Jessica Chastain em papel duplo, como a mãe de Bela e a entidade que passa a ocupar o lugar de sua imagem. A escolha de Chastain acrescenta uma camada curiosa à adaptação: a mesma atriz interpreta a mulher que deveria representar segurança para a menina e a presença sobrenatural que ameaça tomar seu lugar. No cinema, a história mantém o conflito entre a proteção materna e uma figura que se apropria justamente dessa imagem.

Para Malerman, o horror costuma funcionar melhor quando nasce de situações próximas do cotidiano. Em “Outra mamãe”, a casa familiar deixa de ser apenas o lugar onde a protagonista vive e passa a concentrar suas maiores inseguranças. A ameaça sobrenatural encontra terreno fértil quando os vínculos entre os personagens começam a se fragilizar. O livro recebeu elogios de Neil McRobert, da Esquire, que o classificou como “o romance de horror mais eficaz que já li”, e de Grady Hendrix, autor de best-sellers do New York Times, que definiu a história como “o monstro que vive dentro do seu armário”.

Com “Outra Mamãe”, Josh Malerman retorna a uma das especialidades dele: pegar uma situação familiar aparentemente comum e introduzir nela uma ameaça que não pode ser facilmente explicada ou afastada. Para Bela, o problema é ainda mais cruel: a criatura que a persegue sabe exatamente onde procurar quando quer assustá-la.

Sobre o autor

Josh Malerman é autor best-seller do jornal The New York Times, além de vocalista e compositor da banda de rock The High Strung. O romance de estreia dele, “Caixa de Pássaros”, inspirou o filme homônimo da Netflix. Entre seus outros livros estão “Uma Casa no Fundo de um Lago”, “Piano Vermelho”, “Inspeção” e “Malorie”, sequência de "Caixa de Pássaros". Malerman vive em Michigan com a artista musical Allison Laakko.

Ficha técnica

“Outra Mamãe”

Autor: Josh Malerman

Editora: Editora Planeta

Selo: Planeta Minotauro

Gênero: Horror

Edição: 1ª edição, 2026

Páginas: 384

Formato: 16 x 23 cm

Acabamento: Brochura com orelhas

ISBN: 978-85-422-4407-6

Publicação: 12 de outubro de 2026
Compre o livro neste link.

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.: Livro de Maria Valéria Rezende traz escritora morta às voltas com mercado

Novo romance de Maria Valéria Rezende acompanha uma revisora e ghost-writer aposentada que decide aproveitar a própria morte para finalmente assinar uma obra com seu nome

Uma escritora morre. Até aí, nada muito original para a literatura. O problema é que, na véspera de São João, uma revisora e ghost-writer aposentada desperta dentro do caixão e percebe que a morte pode lhe oferecer algo que a vida nunca garantiu: tempo de sobra para escrever o livro que sempre quis assinar. É dessa situação improvável que Maria Valéria Rezende parte em “Memórias Póstumas de Uma Anônima”, novo romance publicado pela Ação Editora. A narradora decide aproveitar a inesperada segunda chance para escrever sua “obra póstuma”, na esperança de deixar para trás o anonimato de uma trajetória inteira dedicada às palavras alheias.

O ponto de partida abre espaço para uma comédia amarga sobre literatura, reconhecimento e mercado editorial. Revisora e ghost-writer, a protagonista conhece por dentro as engrenagens de uma indústria que transformou a figura do escritor em parte importante do próprio produto. Agora, sem o relógio da vida correndo contra ela, precisa lidar com aquilo que talvez seja ainda mais difícil: olhar para a própria produção e decidir o que merece sobreviver.

A premissa também permite que Maria Valéria Rezende brinque com uma tradição literária bastante conhecida. O título já acena para Machado de Assis, mas o romance segue por uma via mais sarcástica e desconcertante. A autora coloca uma mulher morta diante dos próprios fracassos e faz da revisão de uma vida literária uma espécie de acerto de contas com as expectativas de sucesso.

Aos 84 anos, Rezende também se permite uma postura pouco solene diante da própria trajetória. Em vez de organizar uma espécie de balanço definitivo de carreira, a autora cria uma personagem que revê, com pressa e algum espanto, os anos dedicados a escrever para outras pessoas. O resultado é uma narrativa que encontra humor justamente na distância entre o desejo de reconhecimento e as muitas formas pelas quais um escritor pode permanecer invisível.

O romance chega depois de uma sequência de livros que consolidou Maria Valéria Rezende entre os nomes de destaque da literatura brasileira contemporânea. Entre eles estão “O Voo da Guará Vermelha”, “Vasto Mundo”, “Outros Cantos” e “Carta à Rainha Louca”, além de “Quarenta Dias”, pelo qual recebeu o Jabuti. Em 2026, a autora também publicou “Recapitulações”, pela Editora 34. Nascida em Santos, Maria Valéria Rezende viveu em São Paulo até os 18 anos e, a partir dos anos 1970, dedicou-se à educação popular no Nordeste. Vive em João Pessoa e é uma das idealizadoras do coletivo literário feminista Mulherio das Letras. A produção dela reúne romances, contos e livros voltados ao público infantil e juvenil. 

Ficha técnica

“Memórias Póstumas de Uma Anônima”
Autora: Maria Valéria Rezende

Editora: Ação Editora

Edição: 1ª edição, 2026

Páginas: 112

Formato: 14 x 21 cm

Acabamento: Brochura

ISBN: 978-65-82716-16-4

Lançamento: 15 de novembro de 2026
Compre o livro neste link.

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.: “Que Deus Perdoe a Todos” faz da fé, do amor e dos doces uma comédia

Filme dirigido e protagonizado por Pierfrancesco Diliberto, o Pif, acompanha corretor de imóveis que finge acreditar em Deus para conquistar uma confeiteira católica e acaba se metendo em uma inesperada jornada espiritual

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Arturo tem uma profissão na qual quase tudo parece estar sob controle, mas a vida amorosa segue em terreno bem menos confortável. Corretor de imóveis em Palermo, ele vive sozinho, é apaixonado por doces e já desistiu de acreditar em Deus desde a infância. O problema aparece quando Flora, uma confeiteira católica fervorosa, entra em sua vida. Para conquistar a mulher, Arturo resolve fingir que compartilha da fé dela. É aí que começa “Que Deus Perdoe a Todos”, comédia dirigida e protagonizada por Pierfrancesco Diliberto, o Pif, que chega ao no streaming Belas Artes À La Carte como parte do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil.

A mentira amorosa logo ganha proporções maiores. Ao tentar parecer um sujeito religioso, Arturo passa a levar a sério os ensinamentos do Evangelho e se vê obrigado a confrontar as próprias convicções. Para complicar ainda mais a situação, surge um companheiro improvável nessa caminhada: o Papa, interpretado pelo espanhol Carlos Hipólito. A comédia brinca com a distância entre aquilo que alguém diz acreditar e aquilo que efetivamente pratica, terreno bastante fértil para o humor de Pif.

O filme é adaptação do romance homônimo de Pif, com roteiro assinado pelo próprio diretor em parceria com Michele Astori. A história mantém a Sicília como elemento fundamental da narrativa, especialmente Palermo, e combina romance, religião, comida e as pequenas contradições da vida cotidiana. A paixão de Arturo por doces ocupa espaço considerável na trama - e não por acaso: a relação entre gastronomia e identidade siciliana ajuda a dar ao filme uma graça muito particular.

Giusy Buscemi interpreta Flora, a confeiteira que coloca Arturo diante de um problema que ele certamente não encontraria em uma negociação imobiliária: como convencer alguém profundamente religiosa de que ele compartilha de uma fé que abandonou há décadas? A atriz contou que se interessou pelas contradições da personagem, uma mulher religiosa e tradicional, mas também concreta e imperfeita. A parceria com Pif nasceu durante os testes para o papel.

A escolha de Buscemi também ganhou uma camada curiosa fora da ficção. Pif e a atriz são sicilianos, e o diretor contou que procurava uma atriz da região para viver Flora. O encontro entre os dois acabou funcionando tão bem que a química dos protagonistas virou um dos elementos destacados nas entrevistas de divulgação do filme.

Pif, que se declara agnóstico, levou para o filme uma relação pessoal com a questão religiosa. Em entrevista, contou que seu interesse por Deus aumentou depois que deixou de ter certezas sobre a fé. O cineasta também teve contato pessoal com o papa Francisco e chegou a conversar com ele sobre sua formação em escolas religiosas. Essa experiência ajudou a alimentar a relação do filme com a figura de Bergoglio.

A presença do Papa, portanto, não aparece apenas como uma piada colocada no caminho do protagonista. O personagem se torna uma espécie de interlocutor para Arturo, que tenta compreender como colocar em prática aquilo que começou fingindo acreditar. O resultado mistura situações absurdas, romance e uma provocação bem-humorada sobre o comportamento de quem se diz religioso. O Corriere destacou justamente a combinação entre comédia, espiritualidade e crítica à hipocrisia de determinados comportamentos dentro do universo cristão.

Outro detalhe que merece atenção está no próprio título. Os três pontos que aparecem no original, “…Che Dio Perdona a Tutti”, fazem referência ao conhecido provérbio siciliano “Futti Futti ca Diu Pirduna a Tutti”, uma expressão popular que ironiza a ideia de fazer o que bem entender confiando no perdão divino. A brincadeira combina perfeitamente com Arturo, sujeito que começa sua aventura amorosa contando uma mentira religiosa e termina descobrindo que levar determinadas palavras a sério pode ser muito mais trabalhoso do que simplesmente repeti-las.

“Que Deus Perdoe a Todos” chegou aos cinemas italianos em 2 de abril de 2026, distribuído pela PiperFilm, e foi produzido pela Our Films e pela PiperFilm em associação com a Kavac Film e colaboração da Netflix. O elenco reúne ainda Francesco Scianna, Maurizio Marchetti e Domenico Centamore. No Brasil, o longa integra a programação do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente pelo Belas Artes À La Carte durante o período do evento, inclusive por quem não é assinante. A página do filme disponibiliza diretamente a opção para assistir à produção.

Serviço

“Que Deus Perdoe a Todos” integra o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica
“Que Deus Perdoe a Todos” | “Che Dio Perdona a Tutti” (título original)
Gênero: comédia. Duração: 113 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2026. Data de lançamento: 2 de abril de 2026, na Itália; no Brasil, integra o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e está disponível no Belas Artes À La Carte durante o período do festival. Idioma: italiano. Direção: Pierfrancesco Diliberto (Pif). Roteiro: Michele Astori e Pierfrancesco Diliberto (Pif), baseado no romance homônimo de Pif. Elenco: Pierfrancesco Diliberto (Pif), Giusy Buscemi, Francesco Scianna, Carlos Hipólito, Maurizio Marchetti e Domenico Centamore. Distribuição no Brasil: 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil / Belas Artes À La Carte. Cenas pós-créditos: não identificadas em fonte confiável. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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.: Teatro: “Prova de Vida” celebra carreira de Miriam Mehler com humor e coração

Comédia de Gustavo Pinheiro coloca uma aposentada de 90 anos diante de um funcionário de banco e reúne a veterana atriz a Rafael Primot sob direção de Marco Antônio Pâmio. Foto: Kim Leekyung

Uma senhora de 90 anos precisa provar que está viva para voltar a receber a aposentadoria. Do outro lado do balcão, um funcionário de banco desmotivado, preso a uma rotina burocrática e a um sonho profissional que ficou pelo caminho. É desse encontro, tão absurdo quanto familiar, que nasce “Prova de Vida”, comédia inédita de Gustavo Pinheiro escrita especialmente para Miriam Mehler e Rafael Primot. Dirigida por Marco Antônio Pâmio, a peça chega ao palco do Teatro TUCA como uma das comemorações pelos 70 anos de carreira de Miriam Mehler, atriz que atravessou diferentes momentos do teatro brasileiro e participou de montagens que entraram para a história dos palcos, entre elas “Eles Não Usam Black-tie”, “Panorama Visto da Ponte”, “As Bruxas de Salém”, “Pequenos Burgueses” e “Andorra”.

Formada pela Escola de Arte Dramática (EAD) em 1957, Miriam Mehler construiu sua trajetória em companhias fundamentais para o teatro brasileiro, como o TBC, o Teatro Oficina e o Teatro de Arena. Ao longo dessas sete décadas, trabalhou com diretores como Flavio Rangel, José Celso Martinez Corrêa, Antunes Filho, Gabriel Villela e Renato Borghi, além de receber prêmios como APCA, Shell, APTR e Bibi Ferreira. Em “Prova de Vida”, ela interpreta Vera Lúcia, aposentada que decide resolver pessoalmente o problema depois de ter o benefício suspenso por não realizar a prova exigida pelo banco. O que poderia ser apenas mais uma peregrinação burocrática ganha outros contornos quando ela encontra Miguel, personagem de Rafael Primot.

A dupla reúne duas gerações de intérpretes e também retoma a parceria iniciada em “A Herança”, montagem que reuniu Miriam Mehler, Primot e Pâmio. Foi justamente Primot quem procurou Gustavo Pinheiro em busca de um texto que pudesse dividir com a atriz. “A Miriam é um tesouro vivo do teatro brasileiro e dividir o palco com ela é sempre uma aula. Quando o Gustavo trouxe o texto, vi ali a chance de repetir a cumplicidade que criamos em A Herança, mas com uma história completamente nova, tocante e engraçada ao mesmo tempo. Fazer parte das comemorações dos 70 anos de carreira dela é uma honra que carrego com muito carinho”, afirma Primot.

Indicado aos prêmios Shell, Bibi Ferreira e APTR, Primot também recebeu indicações ao APCA nos dois últimos anos: em 2025, como ator, e em 2026, como autor. Já dividiu o palco com Bibi Ferreira, Débora Falabella e Marjorie Estiano e trabalhou sob a direção de Jô Soares, Monique Gardenberg, Zé Celso e Zé Henrique de Paula, entre outros. Para Miriam Mehler, a celebração de sete décadas de carreira ganha um sabor especial justamente por meio de uma personagem que lida com questões bastante presentes no cotidiano de pessoas idosas.

“Setenta anos de carreira parecem muitos, mas cada peça nova me faz sentir como se fosse a primeira vez. Vera Lúcia é uma personagem que me emociona porque fala de algo que todos nós vivemos, o mundo se moderniza e esquece de incluir as pessoas idosas neste avanço, muitas vezes. Trabalhar de novo com o Rafael, com Pâmio e com essa equipe é um presente. O texto de Gustavo é encantador. Assistam Prova de Vida e se identifiquem!”, Miriam Mehler. A tecnologia está no centro da questão levantada por Gustavo Pinheiro. Para o autor, a modernização de serviços básicos pode acabar criando novas barreiras para quem não cresceu cercado por ferramentas digitais. Resolver questões cotidianas passou a exigir celular, aplicativos e plataformas que nem sempre são simples para todos.

“Quis escrever sobre o avanço da tecnologia que vai colocando os idosos cada vez mais à margem da sociedade. Hoje em dia é preciso saber mexer em celular para tudo: comprar um ingresso de cinema, tirar um documento, entrar no Gov.br, uma exigência dura para uma geração que não é nativa digital como os mais novos. Tudo isso de encontro ao absurdo da burocracia brasileira é muito forte, mas ao mesmo tempo muito divertido”, explica Pinheiro. O autor de “Dois de Nós”, com Antônio Fagundes e Christiane Torloni, “A Lista”, com Lilia Cabral, e “A Tropa”, com Otavio Augusto, coloca os personagens diante de uma situação aparentemente banal que acaba abrindo espaço para conversas sobre escolhas, autonomia, frustrações e desejos que ainda podem ser realizados.

Pâmio, que já havia trabalhado com os dois atores em “A Herança”, destaca a combinação entre os intérpretes e o texto. “Miriam Mehler e Rafael Primot, representantes de duas gerações de nossos melhores intérpretes, reunidos nesse texto bem-humorado e profundamente humano de Gustavo Pinheiro, fazem 'Prova de Vida     ir muito além do termo técnico que seu título carrega. Pois, mais do que uma prova, esta peça fala da chama da vida: da importância de sorvermos cada gota dela, de nunca abandonarmos nossos sonhos em nome de uma estabilidade ilusória e, acima de tudo, acharmos sentido e prazer em nossa jornada no mundo”.

Em cena, o encontro inicialmente marcado pela impaciência e pela desconfiança vai ganhando outras camadas. Entre procedimentos burocráticos e situações absurdas, Vera Lúcia e Miguel encontram espaço para falar sobre o que fizeram com as próprias vidas e sobre aquilo que ainda desejam fazer. A temporada de “Prova de Vida” segue até 13 de dezembro no Teatro TUCA, em Perdizes, com sessões às sextas e sábados, às 20h30, e aos domingos, às 17h00.

Ficha técnica
"Prova de Vida"
Texto: Gustavo Pinheiro
Direção: Marco Antônio Pâmio
Elenco: Miriam Mehler e Rafael Primot
Figurinos: Fábio Namatame
Cenários: Marco Lima
Desenho de luz: Sarah Salgado
Trilha Sonora: Chico Beltrão
Produção: Fábio Câmara
Produção executiva: Enkapothado Produções Artísticas
Assistentes de produção: Rodrigo Frampton e Franz Keppler
Assessoria de imprensa: Pombo Correio
Fotos: Kim Leekyung
Arte gráfica: Haroldo Miklos

Serviço
"Prova de Vida"
Local: Teatro TUCA – 672 lugares
Endereço: Rua Monte Alegre, 1024, Perdizes / São Paulo
Temporada: 7 de novembro a 13 de dezembro de 2026
Sessões: sextas e sábados, às 20h30; domingos, às 17h00
Ingressos: sextas, sábados e domingos – R$ 140,00 (inteira) / R$ 70,00 (meia-entrada)

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.: “Alma” reúne cinco mulheres e encerra trilogia foto-literária de Nana Moraes

Livro da Cobogó aproxima fotografia, relatos e memória para contar histórias de mulheres que vivem na rua e atuam na luta por moradia, políticas públicas e respeito

Cinco mulheres, cinco trajetórias e uma história que começou muito antes do encontro com a câmera. “Alma”, novo livro de Nana Moraes, reúne Girlene de Jesus Almeida, Maria Madalena Pereira de Souza, Mônica Ramos, Márcia Aparecida Bayma Silva e Sheila de Jesus Santana em um trabalho que aproxima fotografia, memória e relatos em primeira pessoa. As cinco vivem ou viveram a experiência da rua e atuam em movimentos sociais de Salvador, onde participam de lutas por moradia, políticas públicas e reconhecimento. Entre 2023 e 2024, Nana Moraes foi ao encontro delas. O resultado chega às livrarias pela Cobogó em 18 de novembro e combina retratos, textos, colagens e composições gráficas.

As imagens dividem espaço com as vozes das personagens. Suas conquistas, frustrações, segredos e projetos de futuro aparecem nos relatos e ajudam a construir um livro que convida o leitor a olhar para essas mulheres para além das marcas sociais normalmente associadas a quem vive nas ruas. “Alma” encerra a trilogia foto-literária “DesAmadas”, iniciada por “Andorinhas”, publicado em 2011, e seguida por “Ausência”, de 2022. São quinze anos de um projeto dedicado a mulheres submetidas a diferentes formas de estigma e discriminação. Com texto de Leda Maria Martins, o terceiro volume retoma uma questão que atravessa a trajetória da fotógrafa: o que acontece quando pessoas tratadas como invisíveis passam a ocupar o centro da narrativa?

O livro também confronta a ideia de que viver na rua seria simplesmente uma escolha individual. As cinco mulheres aparecem como sujeitos de suas próprias histórias, envolvidas em movimentos coletivos e na construção de possibilidades concretas para suas vidas. A presença da fotografia, nesse percurso, ganha uma função que ultrapassa o registro. Nana Moraes aproxima rostos, gestos e palavras, deixando que memória e imaginação convivam nas páginas. O trabalho gráfico cria uma espécie de território comum para essas diferentes vozes, enquanto os relatos dão outra dimensão aos retratos.

A trilogia “DesAmadas” nasceu de uma pesquisa continuada sobre mulheres que costumam ser vistas por meio de rótulos antes de serem reconhecidas em sua humanidade. “Alma” chega ao fim desse percurso com cinco personagens que reivindicam espaço para falar de si, lembrar o passado e imaginar o futuro.

Sobre a autora
Nana Moraes nasceu em 1963, no Rio de Janeiro, e é formada em Jornalismo pela PUC de São Paulo. Desde 1989, atua nos mercados editorial, cultural e publicitário e coordena o Retrato Espaço Cultural. Foi seis vezes vencedora do Prêmio Abril de Jornalismo e recebeu, em 2007 e 2011, o prêmio de Destaque Profissional/Fotografia da Associação Brasileira de Propaganda. Além de “Andorinhas” e “Ausência”, seus trabalhos foram apresentados em espaços como o Espaço Tom Jobim, no Jardim Botânico do Rio de Janeiro, o Centro Cultural Correios, durante o FotoRio, a Casa da Cultura de Paraty e a Fundação Oswaldo Cruz. Por “Ausência”, recebeu, em 2019, a Medalha Jorge Careli de Direitos Humanos, do Sindicato dos Trabalhadores da Fiocruz. Em 2024, realizou a exposição “Teatro”, com curadoria de Marcio Abreu, no Retrato Espaço Cultural.

Ficha técnica
“Alma”
Autora: Nana Moraes
Texto complementar/posfácio: Leda Maria Martins
Texto de orelha: Isabella Rosado Nunes
Capa: Nana Moraes e Ana Dias
Projeto gráfico: Ana Dias
Número de páginas: 176
Formato: 17 x 23 cm
Encadernação: brochura
ISBN: 978-65-5691-214-1
Editora: Cobogó
Ano: 2026

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.: “Aula Vaga - Teoremas do Impossível” leva o adoecimento docente ao palco

Grupo Pandora de Teatro transforma relatos de professores da rede pública em espetáculo que mistura teatro documental, audiovisual e poesia. Foto: Pedro Daniel

Uma sala de aula pode ser lugar de aprendizado, encontro e descoberta. Também pode concentrar burocracia, exaustão, cobranças e uma rotina capaz de adoecer quem está diante do quadro. É a partir dessa contradição que o Grupo Pandora de Teatro apresenta “Aula Vaga - Teoremas do Impossível”, nos dias 13, 14 e 15 de novembro, no Teatro Arthur Azevedo, em São Paulo. Criado a partir de relatos reais de professoras e professores da rede pública, o espetáculo aproxima teatro documental, audiovisual e poesia para investigar o desgaste dos profissionais da educação e as dificuldades enfrentadas pela escola pública brasileira. A temporada tem entrada gratuita.

Em cena, duas professoras e um professor têm suas trajetórias reunidas em um mosaico de memórias, cansaço e resistência. A montagem parte de situações concretas do cotidiano escolar e as desloca para uma atmosfera de realismo fantástico, na qual realidade e delírio passam a dividir o mesmo espaço. O texto e a direção são de Lucas Vitorino, que desenvolveu a criação a partir de entrevistas, oficinas teatrais em escolas públicas e encontros com trabalhadores da educação. O processo incluiu uma oficina de criação de três meses na sede do Grupo Pandora, em Perus. Relatos registrados em áudio e vídeo durante a pesquisa serviram de material para a construção dramatúrgica.

A pesquisa também encontra respaldo em números que ajudam a dimensionar o problema. Segundo levantamento do Centro do Professorado Paulista (CPP), baseado em dados da Diretoria de Perícias Médicas do Estado (DPME), entre janeiro e setembro de 2025 foram registradas 25.699 licenças médicas de professores da rede estadual paulista por transtornos mentais e comportamentais. Os afastamentos representaram 911.634 dias longe das salas de aula. “Aula Vaga” leva essa realidade para uma cena que combina diferentes linguagens. Câmeras acompanham os atores e produzem imagens em tempo real, enquanto projeções e registros documentais ampliam a presença dos educadores que participaram da pesquisa. A sala de aula aparece reorganizada no palco, com lousa, carteiras e outros elementos retirados de seu uso habitual.

A trilha sonora aproxima trap e música eletrônica do universo escolar, criando uma ponte entre gerações e ajudando a deslocar a experiência cotidiana para uma linguagem cênica contemporânea. “A nossa vontade é falar com os professores que existe um grupo de teatro olhando para essa dor, para essa ferida, para essa luta. É uma peça política, mas profundamente poética”, afirma Lucas Vitorino. Contemplado pela 45ª edição do Programa Municipal de Fomento ao Teatro para a Cidade de São Paulo, “Aula Vaga – Teoremas do Impossível” coloca a crise da educação em primeiro plano sem deixar de olhar para quem continua trabalhando dentro dela. O resultado é uma peça sobre profissionais que lidam diariamente com situações que parecem impossíveis - e ainda assim precisam voltar para a sala de aula no dia seguinte.

Ficha técnica

"Aula Vaga - Teoremas do Impossível"

Criação: Grupo Pandora de Teatro

Texto e direção: Lucas Vitorino

Elenco: Rodolfo Vetore, Thais Kaori e Thalita Duarte

Vídeo e edição: Filipe Dias

Cenografia: Thalita Duarte

Figurino: Claudia Schapira

Adereços: Thais Kaori

Desenho de luz: Elves Ferreira e Kauã Vitorino

Preparação corporal: Rodolfo Vetore

Workshops: Marcelo Soler, Tânia Faria e Heloísa de Lima

Cenotecnia: Duarte Serralheria

Máscaras de papel machê: Daniel Normal

Costureira: Cleuza Amaro da Silva Barbosa

Operação de vídeo: Lucas Vitorino

Operação de som: Mateus Ramon

Técnica e operação de luz: Kauã Vitorino

Assistência de produção: Camila Oliveira

Foto e design gráfico: Pedro Daniel

Produção administrativa: Junior Cecon

Produção: Thalita Duarte

Serviço

“Aula Vaga - Teoremas do Impossível”

Local: Teatro Arthur Azevedo – Avenida Paes de Barros, 955, Alto da Mooca, São Paulo

Datas: 13, 14 e 15 de novembro de 2026

Horários: sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h

Duração: 70 minutos

Classificação indicativa: 10 anos

Ingressos: gratuitos. Retirada na bilheteria uma hora antes do início da apresentação, sujeita à disponibilidade.

Atenção: o espetáculo utiliza efeitos de luzes estroboscópicas e flashes luminosos.

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.: “OSMO”, de Hilda Hilst: violência e desejo em três apresentações em SP

Montagem dirigida por Suzan Damasceno e protagonizada por Donizeti Mazonas leva ao Teatro de Arena Eugênio Kusnet um personagem que mistura pretensões literárias, desejo e assassinato. foto: divulgação

Um homem escreve a própria história enquanto alimenta uma rotina de sedução e assassinato. Entre a literatura e o horror, Osmo tenta encontrar algum sentido para a vida, a morte e a transcendência. É desse território incômodo, radicalmente hilstiano, que parte “OSMO”, espetáculo inspirado na obra de Hilda Hilst, que faz três apresentações no Teatro de Arena Eugênio Kusnet, em São Paulo, nos dias 13, 14 e 15 de novembro.

Com direção e trilha de Suzan Damasceno, concepção, cenografia e interpretação de Donizeti Mazonas, a montagem retoma um trabalho que estreou em 2014, no Sesc Belenzinho, e que já passou por diferentes temporadas e espaços, incluindo a 10ª edição do CASA – Latin American Theatre Festival, em Londres.

Em cena, o corpo do ator se torna espaço de tensão para uma narrativa construída pela palavra. Osmo é um serial killer com pretensões literárias que está escrevendo a própria história quando recebe um telefonema convidando-o para dançar. O convite aparentemente banal dá início a um ritual perverso: sair com uma mulher, seduzi-la e assassiná-la.

A partir daí, o personagem constrói uma narrativa fragmentada, em que pensamento, desejo e ação se confundem. A busca por compreender a existência convive com a incapacidade de estabelecer qualquer limite ético para os próprios atos. A adaptação assinada por Donizeti Mazonas e Suzan Damasceno parte da escrita de Hilda Hilst para colocar em cena questões que permanecem brutalmente atuais. Erotismo, metafísica e violência aparecem em confronto com a realidade do feminicídio, enquanto a trajetória de Osmo expõe uma lógica de dominação que transforma mulheres em objetos de seu desejo e de sua fantasia.

A encenação evita tratar a violência do protagonista como uma aventura psicológica isolada. O espetáculo encara o personagem e suas contradições, colocando em tensão a dimensão estética da literatura e a responsabilidade ética diante da brutalidade que ela representa. O resultado é um monólogo de 70 minutos em que a palavra conduz o espectador por um território desconfortável, entre a elaboração literária de um assassino e as consequências concretas de seus atos. A produção é realizada pela Tatau Filmes e pelo Núcleo EntreTanto.

Donizeti Mazonas é ator, diretor, criador e produtor cultural. Formado pela Unicamp, atua em São Paulo desde 1995 e integrou o Centro de Pesquisa Teatral (CPT), coordenado por Antunes Filho. Em 2003, fundou a Companhia da Mentira e, em 2019, criou com Gilda Nomacce a produtora Tatau Filmes. A pesquisa artística dele mantém uma relação particularmente intensa com a literatura de Hilda Hilst. Entre os trabalhos desenvolvidos a partir da obra da escritora estão “A Obscena Senhora D” (2008), “Rútilo Nada” (2010), “Onde os Começos?” (2010), “OSMO” (2014), “Floema” (2016) e “RÚTILOS” (2025). O próprio percurso de “OSMO” inclui temporadas anteriores e a participação no CASA – Latin American Theatre Festival, em Londres.

Ficha técnica

"OSMO"

Texto: Hilda Hilst

Adaptação: Donizeti Mazonas e Suzan Damasceno

Direção e trilha: Suzan Damasceno

Concepção, cenografia e interpretação: Donizeti Mazonas

Participação especial: Erica Knapp

Iluminação: Hernandes de Oliveira

Fotos: Keny Andrade

Realização: Tatau Filmes e Núcleo EntreTanto

Serviço

“OSMO”

Local: Teatro de Arena Eugênio Kusnet – Rua Doutor Teodoro Baima, 94, São Paulo

Datas: 13, 14 e 15 de novembro de 2026

Horários: sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h

Duração: 70 minutos

Classificação: 18 anos

Ingressos: R$ 60,00 (inteira) e R$ 30,00 (meia), à venda pela Sympla e na bilheteria do teatro, uma hora antes das sessões.

Instagram: @nucleoentretanto

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.: “Comunidade” no teatro questiona quem paga o preço pelo coletivo

Cia. Perversos Polimorfos revisita “A Sagração da Primavera” para investigar sacrifício, controle e outras formas de convivência. Foto: Fabio Furtado

Quem decide quem deve ser sacrificado para que um grupo sobreviva? E por que, tantas vezes, o corpo escolhido para pagar essa conta é o de uma mulher? Essas perguntas movem “Comunidade”, espetáculo da Cia. Perversos Polimorfos que retorna aos palcos paulistanos em novembro, com duas temporadas gratuitas: de 13 a 15, no Teatro Cacilda Becker, e de 20 a 22, no Teatro Paulo Eiró. Inspirada em “A Sagração da Primavera”, composição de Igor Stravinsky com coreografia de Vaslav Nijinsky apresentada originalmente em 1913, a montagem desloca o conhecido ritual da jovem escolhida para o sacrifício para discutir as engrenagens sociais que ainda definem quem pode ser excluído, controlado ou eliminado em nome de uma suposta ordem coletiva.

Com concepção, dramaturgia e direção geral de Ricardo Gali, “Comunidade” olha para a lógica patriarcal presente no mito e procura outro caminho: pensar o coletivo como espaço de acolhimento, resistência e convivência entre diferenças. A pergunta deixa de ser apenas quem será sacrificado e passa a incluir o que uma comunidade poderia construir caso recusasse a necessidade de escolher uma vítima. A criação começou em 2021, a partir de uma pesquisa sobre diferentes montagens de “A Sagração da Primavera” e sobre a composição de Stravinsky. O estudo das duas partes da obra original, “A Adoração da Terra” e “O Sacrifício”, levou a companhia a organizar a montagem em três movimentos: “A Festa”, “O Silêncio” e “O Espanto da Morte”.

O processo de criação também incorporou conversas com artistas, pesquisadores e pensadores de diferentes áreas. Alejandro Ahmed, Ana Teixeira, Eduardo Guimarães, Gal Martins, Rosângela Alves, Sérgio Oliveira, Sylviane Guilherme, Christian Dunker, Suely Rolnik, Dimitra Vulcana, Marina Guzzo e Carolina Bianchi participaram dos encontros que alimentaram a pesquisa, incluindo reflexões sobre os impactos da pandemia de Covid-19 na criação artística.

Em cena, a ideia de comunidade passa pela possibilidade de construir relações baseadas no cuidado e na solidariedade. O ritual de morte que está na origem de “A Sagração da Primavera” ganha outra leitura: em vez de aceitar a escolha de uma vítima em nome do grupo, a montagem pergunta se seria possível dividir a experiência, brincar, festejar e afirmar a vida diante da própria finitude.

A trajetória de “Comunidade” está ligada às comemorações dos 15 anos da Cia. Perversos Polimorfos. Fundada em 2009 e dirigida por Ricardo Gali, a companhia desenvolve uma pesquisa transdisciplinar e processos colaborativos de criação, com atenção à singularidade de seus intérpretes. O grupo reúne 13 espetáculos e três filmes em seu repertório e já apresentou trabalhos no Brasil e em países como Alemanha, Colômbia e França.

Entre as criações da companhia estão “Ânsia”, indicado ao Prêmio Bravo!, “Shine”, indicado ao Prêmio APCA, “O Homem sem um Nome” e “Comunidade”. O grupo também criou o Festival Ensaios Perversos e recebeu o Prêmio Denilto Gomes em diferentes edições. Com 50 minutos de duração e classificação indicativa de 14 anos, “Comunidade” terá entrada gratuita nas duas temporadas. A sessão de 22 de novembro, no Teatro Paulo Eiró, contará com audiodescrição realizada pela AD Adamy.

Ficha técnica

"A Sagração da Primavera"
Concepção, dramaturgia e direção geral: Ricardo Gali

Performers: Arthur Sebbast, Carolina Canteli, Danielli Mendes, Felipe Teixeira, Gustavo Cabral, Maria Emilia Gomes, Mariana Molinos e Maurício Alves

Provocação artística: Carolina Splendore

Colaboração: Ana Teixeira, Renan Marcondes e Judson Cabral

Entrevistas – Conversas sem fim: Alejandro Ahmed, Ana Teixeira, Eduardo Guimarães, Gal Martins, Rosângela Alves, Sérgio Oliveira, Sylviane Guilherme, Christian Dunker, Suely Rolnik, Dimitra Vulcana, Marina Guzzo e Carolina Bianchi

Assistência de direção: Marcela Reichelt e Isis Andreatta

Assistência de produção: Isis Andreatta

Trilha sonora: Lourenço Rebetez

Design de luz: Jo Rios

Design gráfico: Dot Carolino

Figurino: Ricardo Gali

Direção de produção: Zé Renato – CAIS Produção

Registros audiovisuais (2024): Osmar Zampieri

Registros fotográficos e audiovisuais (2026): Fábio Furtado e Pedro Balmant

Assessoria de imprensa: Elaine Calux

Audiodescrição: AD Adamy

Realização: projeto contemplado pela 39ª edição do Programa Municipal de Fomento à Dança para a Cidade de São Paulo – Secretaria Municipal de Cultura.

Serviço

“Comunidade” – Cia. Perversos Polimorfos

Teatro Cacilda Becker

Rua Tito, 295 – Lapa, São Paulo

13, 14 e 15 de novembro de 2026

Sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h

Telefone: (11) 3864-4513

Teatro Paulo Eiró

Avenida Adolfo Pinheiro, 765 – Santo Amaro, São Paulo

20, 21 e 22 de novembro de 2026

Sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h

Telefone: (11) 5546-0449

Duração: 50 minutos

Classificação: 14 anos

Acessibilidade: sim

Audiodescrição: 22 de novembro, no Teatro Paulo Eiró, por AD Adamy

Ingressos: gratuitos. Retirada na bilheteria uma hora antes de cada apresentação, sujeita à disponibilidade. Também é possível reservar antecipadamente pela Sympla.

Instagram: @ciaperversospolimorfos

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