.: Entrevista: Marcelo Viana coloca Taylor Swift, eleições e robôs na mesma conta

Em “Matemática para Seres Humanos (e Alguns Robôs)”, Marcelo Viana leva Taylor Swift, Michelangelo, eleições, inteligência artificial e filosofia para o território dos números e fala ao Resenhando.com sobre curiosidade, erro, estatística e o futuro da matemática diante das máquinas

Marcelo Viana tem uma mania profissional que pode ser perigosa para quem ainda acredita que matemática termina quando acabam as aulas: ele encontra números onde ninguém estava procurando. Taylor Swift entra na conta, Michelangelo também, eleições aparecem pelo caminho, QR codes deixam de ser aquelas pequenas manchas que a gente aponta para o celular e até a inteligência artificial precisa sentar à mesa. No novo livro, “Matemática para Seres Humanos (e Alguns Robôs)”, publicado pela Tinta-da-China Brasil, o diretor-geral do Impa reúne crônicas que foram escritas para a coluna dele no jornal Folha de S.Paulo e continuam uma conversa que ele vem mantendo há anos com leitores que talvez tenham aprendido a temer uma disciplina antes mesmo de descobrir o prazer de entendê-la.

Viana conhece bem esse território. Doutor em matemática, pesquisador de reconhecimento internacional e um dos principais nomes da divulgação científica no país, ele também sabe que uma fórmula pode esconder uma ideia tão interessante quanto a história que levou alguém a formulá-la. Por isso, quando fala de erro, curiosidade, padrões, estatística ou inteligência artificial, a conversa rapidamente escapa da matemática como matéria escolar e chega a questões de linguagem, política, arte, literatura e até às armadilhas de acreditar demais em números que parecem confirmar aquilo que já pensamos. Nesta entrevista exclusiva para o portal Resenhando.com, Marcelo Viana fala sobre o que a matemática ainda consegue revelar quando deixa de ser tratada como um território reservado aos “bons de exatas”, sobre o perigo de usar números para fabricar certezas, sobre o que pode acontecer quando uma máquina provar um teorema que nenhum ser humano consegue compreender e sobre essa estranha possibilidade de que, em algum lugar do universo, outra civilização esteja fazendo contas que talvez tenham chegado às mesmas conclusões que as nossas.

Resenhando.com - O senhor já mostrou que a matemática pode explicar Taylor Swift, eleições, QR codes e até Michelangelo. Existe algum assunto que, à primeira vista, parece completamente imune à matemática, mas que o senhor adoraria provar que não é?

Marcelo Viana - Diferentes aspectos da realidade, e da experiência humana, são (no estágio atual do nosso conhecimento!) mais ou menos modeláveis por meio de conceitos matemáticos. É possível que nenhum possa ser representado integralmente por meio da matemática, não tenho certeza. Outros são notoriamente difíceis de quantificar: as emoções humanas são o primeiro exemplo que me vem à mente. Como medir a alegria? Quais são as equações da beleza? Mas, mesmo em domínios que parecem tão subjetivos, as ideias matemáticas vêm fazendo avanços. Matemáticos, economistas, publicitários hoje conhecem (e usam!) muito melhor as "leis" da subjetividade. Na minha visão, nenhum domínio da realidade está completamente imune à matemática, nenhum.  

Resenhando.com - A matemática costuma ser apresentada na escola como uma coleção de respostas certas. O seu livro parece fazer o movimento contrário: devolver a ela a dúvida, a curiosidade e até o erro. Em que momento o senhor percebeu que ensinar matemática talvez seja, antes de tudo, ensinar alguém a fazer perguntas melhores?

Marcelo Viana - O matemático francês Jean Dieudonné, membro do famoso grupo Nicolas Bourbaki, conhecido por promover uma visão formalista da matemática, dizia que o trabalho do pesquisador em matemática é levantar os andaimes, a partir deles construir o belo edifício, e então desmontar os andaimes e escondê-los. Com o devido respeito ao distinto colega, isso é uma asneira completa: os andaimes importam muito mais do que o edifício, porque é com eles que construímos esse e outros edifícios. O erro é irmão gêmeo da descoberta, e ambos são filhos da curiosidade, da dúvida, da experimentação. Na matemática como em qualquer outra ciência.

Resenhando.com - O paradoxo de Simpson mostra que os mesmos números podem contar histórias diferentes dependendo da maneira como são organizados e interpretados. Em tempos de redes sociais, pesquisas eleitorais e inteligência artificial, deveríamos desconfiar mais dos números, inclusive daqueles que parecem confirmar exatamente aquilo em que queremos acreditar?

Marcelo Viana - Vi um post numa rede social em que um comediante afirma que "92% das pessoas acreditam mais numa afirmação se você incluir um número ao acaso nela para fazer parecer que é séria". A audiência demora um segundo para perceber que ele acaba de fazer isso mesmo, e cai na gargalhada. Mas os números são usados (abusados!) de forma muito mais maléfica, o tempo todo. Essa é uma das razões porque eu realço a importância da disseminação do conhecimento matemática: é mais difícil enganar com lorotas como essas uma sociedade que não tem medo da matemática, que se sente à vontade com as noções básicas de números, formas e padrões.   

Resenhando.com - O senhor é platônico e acredita que os conceitos matemáticos são descobertos, não inventados. Mas, se eles já estavam lá antes de nós, quem exatamente “escreveu” essa matemática do universo? E o que essa pergunta deixa de filosófico e passa a ser quase uma questão de fé?

Marcelo Viana - Essa é uma pergunta muito complicada, porque sempre podemos levá-la um passo adiante: se alguma entidade escreveu as leis matemáticas do universo, quem criou essa entidade? E quem criou esse criador? Parece-me que temos que aceitar que essa "escada" para em algum ponto. A fé oferece uma resposta, atraente porque é antropocêntrica. A filosofia oriental contém outras, provavelmente tão legítimas quanto. Ou, quem sabe, talvez a realidade consista simplesmente de suas leis matemáticas, que nunca foram escritas, apenas são? Eu gosto dessa imagem.

   

Resenhando.com - O título fala em “seres humanos (e alguns robôs)”. Se uma inteligência artificial chegar ao ponto de formular um teorema que nenhum ser humano consiga compreender, mas consiga provar que está correto, devemos chamar isso de matemática ou apenas de uma resposta que ainda não aprendemos a ler?

Marcelo Viana - Eu acredito que as ideias matemáticas são universais e o mais legal é que essa é a parte do platonismo que tem mais chances de poder ser verificada na prática: se e quando tivermos a chance de contatar civilizações alienígenas, poderemos conferir se a matemática deles é compatível com a nossa. Eles certamente não vão chamar o número pi por esse nome, mas será que têm o conceito de círculo e se debruçaram sobre a relação entre o seu comprimento e o seu diâmetro? Sabendo das dificuldades de compreensão envolvidas nos primeiros contatos entre europeus, asiáticos e nativos americanos, podemos antever o desafio que será comunicar com uma espécie completamente diferente, desenvolvida em outro planeta. A universalidade da matemática pode ser a nossa melhor chance de sucesso.

 

Resenhando.com - O senhor dirige o Impa, pesquisa matemática e escreve crônicas para um jornal. Existe alguma coisa que a matemática lhe ensinou sobre a escrita - ritmo, estrutura, economia, surpresa - e alguma coisa que a literatura tenha ensinado ao matemático? Marcelo Viana - Um dia a minha filha Anita, que então tinha uns oito anos, chegou em casa empolgada: "Papai, você sabia que em inglês o 'a' tem som de 'e', o 'e' tem som de 'i' e o i' tem som de 'a'? É um triângulo, papai!". Eu já era um pai coruja antes (risos). A matemática me ensinou a "ver" padrões em diferentes situações,  poderíamos dizer que me viciou em fazê-lo. E a literatura está cheia deles. Eu também escrevi em diferentes ocasiões sobre autores, como Borges, Melville e Perec, que criaram esses padrões matemáticos conscientemente em suas obras. Em outros casos, a criação é subconsciente. Para mim, a descoberta é sempre prazerosa. 

Resenhando.com - A matemática já foi usada para compreender o mundo, mas também para justificar preconceitos, selecionar pessoas e dar aparência científica a ideias absurdas. Onde termina a neutralidade dos números e começa a responsabilidade de quem escolhe quais números contar, quais ignorar e como apresentá-los? Marcelo Viana - Em um dos artigos, eu conto que o futuro presidente norte-americano Abraham Lincoln teria interrompido o seu trabalho como jovem advogado para estudar os "Elementos" de Euclides: "se vou passar a vida buscando provar que pessoas são inocentes, ou culpadas, preciso primeiro aprender o que significa 'provar' e parece-me que é na geometria que está a resposta". Os números, as formas, as ideias matemáticas em geral não são neutras em si mesmas, quem é neutro é o rigor, a lógica que eles foram concebidos para expressar. O que nos leva, novamente, à necessidade crucial da disseminação do conhecimento matemático na sociedade.

Resenhando.com - O senhor escreve sobre mulheres pioneiras na matemática e também sobre personagens historicamente apagados, como James McCune Smith. Por que a história da matemática demorou tanto para perceber que contar quem ficou de fora também é uma questão matemática?

Marcelo Viana - Porque a história da matemática, como a história em geral, está sujeita às mesmas relações socioculturais de poder que afetam tantos outros domínios do conhecimento. O meu professor de filosofia no ensino médio explicou na primeira aula que estudaríamos apenas a filosofia ocidental porque "a filosofia oriental é muito deprimente e não conduz a lugar nenhum". Confúcio, Sidarta, Lao-Tsé etc, todos jogados na lixeira em uma frase. Conversando esta semana com um colega chinês professor de história da matemática ele me explicava como a redescoberta da contribuição do seu país à matemática teve que vir junto com a reconstrução da nação no período pós-colonial.

 

Resenhando.com - Se o senhor pudesse voltar à própria adolescência e assistir a uma única aula de matemática como aluno, o que gostaria de descobrir naquele momento que a escola não lhe contou? E será que isso mudaria a trajetória do matemático Marcelo Viana? Marcelo Viana - Na verdade, não sei se teria mudado alguma coisa. Apesar de ter tido muito menos acesso a informação do que teria hoje, a impressão que tenho quando olho para trás é que tudo chegou na hora certa. Poderia dizer que a escassez de informação me deu o privilégio de fazer as minhas escolhas com o coração mais do que com a cabeça (risos).

 

Resenhando.com - Depois de escrever sobre números, caos, inteligência artificial, política, música e arte, qual é a maior ilusão que o senhor gostaria de desmontar sobre a matemática: a de que ela é difícil, a de que é fria ou a de que serve apenas para quem é “bom de exatas"?

Marcelo Viana - Já contei algumas vezes que quando comecei a escrever na Folha de S.Paulo, quase dez anos atrás, uma colega me perguntou: "Para quê?". Eu respondi "Para popularizar a matemática, ué!", mas ela insistiu: "Sim, mas para quê?". E acabou sugerindo que a resposta deveria ser: "Para ajudar a melhorar a relação das pessoas com a matemática". Ela estava certa. E agora, estou até podendo fazer isso com alguns robôs (riasos).

Leia na íntegra...

.: Tony Iommi: o mito do rock está de volta em "From The Dark"

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

Em 1970 uma certa banda inglesa Black Sabbath lançou o seu álbum de estreia criando as matrizes do que se chamaria heavy metal nas décadas seguintes. E foi nos riffs de guitarra de Tony Iommi que isso foi se solidificando cada vez mais. Agora Iomnmi está de volta com um disco solo intituladon "From The Dark", que resgata a sonoridade dos anos 80, da época dos discos "Mob Rules" e "Heaven and  Hell". O cantor norueguês Jørn Lande (Masterplan, Ark) assume os vocais principais e assina as letras de todas as faixas. A banda de apoio conta com Becky Baldwin (baixo) e Karl Brazil (bateria).

Se você ouvir o disco sem comparar com os trabalhos anteriores, irá apreciar  um bom disco de hard rock bem produzido por um dos mestres do estilo.Porem o vocal de Jorn Lande e muito influenciado pelo do mítico Ronnie James Dio, que trabalhou com Iommi. Ou seja as comparações são inevitáveis.

Mas nem por isso "From The Dark" deixa de ser um  acerto de Iommi, cujos riuffs de guitarra continuam  densos e relevantes hoje em dia. Faixas como "Black Times", "World Alone", "Legacy" e "Death Wake" contém aquela receita infalível em forma de riffs sombrios. Para quem curte rock clássico, "From The Dark" é uma ótima opção.

"World Alone"

"Over The Violent Sun"

"Stormwatcher"

Leia na íntegra...

.: Livro reúne contos de diferentes fases da carreira de Menalton Braff

Livro recupera textos escritos desde a década de 1970 e apresenta narrativas inéditas do vencedor do Prêmio Jabuti

Um conto guardado no sótão durante décadas acabou colocando Menalton Braff novamente diante de histórias que pareciam pertencer ao passado. A descoberta levou o escritor a revisitar textos dos primeiros anos de sua trajetória e a reuni-los com narrativas mais recentes em “Noite de Insônia”, livro publicado pela Degustadora Editora que marca seu retorno ao conto em uma nova coletânea. A obra está em pré-venda. O ponto de partida foi justamente o texto encontrado por Braff durante uma busca no sótão. Escrito na década de 1970 e nunca publicado, o conto provocou uma espécie de reencontro do autor com o escritor que ele próprio foi no início da carreira. A partir daí, outros textos antigos vieram à tona e passaram a dividir espaço com produções mais recentes.

O livro foi organizado em três partes. “Caderno de Aprendiz” reúne contos escritos antes da estreia de Braff em livro. “Contos” concentra narrativas de produção mais recente, enquanto “Minicontos” apresenta textos breves de um formato que o escritor já vinha praticando havia anos. A variedade de períodos também permite acompanhar mudanças de linguagem, temas e perspectivas ao longo da trajetória do autor. Ainda assim, algumas inquietações permanecem: medo, solidão, espera e a dificuldade de estabelecer vínculos aparecem em situações aparentemente banais, como alguém aguardando um ônibus sob o nevoeiro ou ouvindo passos ecoarem no corredor de uma hospedaria.

Para Braff, o conto nasce de uma provocação que vem de fora e encontra no escritor uma disposição particular para transformá-la em narrativa. “O conto é fruto de um estímulo, algo exterior ao escritor e que o sensibiliza”, afirma. A ideia combina com a própria história de “Noite de insônia”. Um texto esquecido por décadas foi suficiente para reabrir uma gaveta inteira da memória literária do autor. O resultado é uma coletânea que aproxima diferentes momentos de sua produção e coloca lado a lado o escritor em formação e o autor experiente.

Vencedor do Prêmio Jabuti por “À Sombra do Cipreste”, Menalton Braff construiu uma trajetória marcada pela publicação de contos, romances e novelas. Entre seus livros estão “A Coleira no Pescoço”, “Amor Passageiro”, “Além do Rio dos Sinos”, “Cenas de um Amor Imperfeito”, “Tocata e Fuga a Quatro Vozes” e “Os Olhos do Meu Pai”.

Em “Noite de insônia”, o passado literário não aparece como peça de museu. Ele volta a circular ao lado de textos recentes, permitindo que diferentes versões do mesmo escritor compartilhem as páginas. Para o leitor, a insônia do título acaba sendo também uma boa desculpa para permanecer acordado diante de histórias que nasceram em épocas diferentes, mas continuam procurando alguma coisa no escuro.

Serviço
“Noite de insônia”, de Menalton Braff
Degustadora Editora
Gênero: contos

Leia na íntegra...

.: “Uma Ilha Fora do Mapa” leva aventura para palco e ganha sessão de autógrafos

Espetáculo infantil inspirado no livro da atriz estreia no Teatro West Plaza e acompanha dois irmãos em uma ilha formada por resíduos plásticos

Uma praia, dois irmãos e uma ilha que não deveria existir. Em “Uma Ilha Fora do Mapa”, Antônio e João saem para um passeio com a mãe e acabam transportados pelo Mar para um lugar bastante diferente dos destinos de férias convencionais: uma ilha formada por resíduos plásticos. Para voltar para casa, os meninos terão de enfrentar animais marinhos, entender as consequências da poluição e descobrir outras maneiras de cuidar do planeta.

A aventura chega aos palcos de São Paulo neste fim de semana, em adaptação do livro homônimo escrito pela atriz Regiane Alves. O espetáculo estreia neste sábado, 14 de novembro, no Teatro West Plaza, com sessões aos sábados e domingos, às 15h00, até 13 de dezembro. No domingo, 15, após a apresentação, Regiane participa de uma sessão de autógrafos com o público. Com texto e letras de Vitor Rocha, direção de Bruno Ferian e direção musical de Everton Gennari, a montagem aposta em humor, fantasia e música ao vivo para aproximar as crianças de questões ambientais. A linguagem incorpora referências a animes, mangás e K-Pop, enquanto a trilha original acompanha os conflitos da história.

O ponto de partida é bastante concreto: o impacto do lixo plástico nos oceanos. No palco, porém, o assunto ganha contornos de aventura. Os irmãos chegam a uma ilha criada pelos próprios resíduos que deveriam estar longe dali e são confrontados por animais marinhos, que os responsabilizam pela poluição acumulada nas águas.

A cenografia reforça essa transformação. Um único píer de madeira serve de base para o espaço cênico e, ao longo da apresentação, passa a se configurar como uma ilha de lixo plástico. A mudança visual acompanha o avanço da história e coloca diante do público infantil uma imagem simples para um problema ambiental de proporções enormes.

A montagem também trabalha com os chamados cinco Rs da sustentabilidade — repensar, recusar, reduzir, reutilizar e reciclar — aproximando os conceitos do cotidiano das crianças. A proposta nasceu da própria relação de Regiane Alves com os filhos, Antônio e João, que inspiraram os protagonistas do livro.

“Quando temos filhos, automaticamente pensamos num planeta melhor para eles viverem. Eu sempre acreditei que a arte e a educação andam juntas na formação de um ser cidadão”, afirma Regiane. Para a atriz, levar a história ao teatro amplia a possibilidade de conversar com as crianças sobre cuidado ambiental por meio da imaginação.

No palco, a música ocupa papel central. Interpretada ao vivo pelo elenco, a trilha combina batidas eletrônicas e referências ao K-Pop, com coreografias sincronizadas e momentos de maior interação entre os personagens. A encenação ainda utiliza movimentos coletivos e mudanças de ritmo para criar a passagem entre o cotidiano dos irmãos e o universo fantástico encontrado no meio do oceano.

A história mantém o humor e o encantamento próprios de uma aventura infantil, mas coloca no caminho dos personagens uma questão que não desaparece quando as cortinas se fecham: aquilo que vai parar no mar não deixa de existir simplesmente porque saiu do campo de visão de quem produziu o lixo.

“Uma Ilha Fora do Mapa” tem duração de 50 minutos e classificação livre. A temporada no Teatro West Plaza começa em 14 de novembro e segue até 13 de dezembro, aos sábados e domingos, às 15h, com exceção dos dias 5 e 6 de dezembro.

Ficha técnica

“Uma Ilha Fora do Mapa”

Autora: Regiane Alves

Texto e letras: Vitor Rocha

Direção: Bruno Ferian

Direção musical e composição: Everton Gennari

Coreografias: Rodrigo Lopes

Elenco: Guilherme Campos, Iuri Lupetti, Jéssica Magalhães, Lucas Caparrós, Lya Bueno, Pedro Torrezan e Vini Hideki

Cenário e figurino: Priscila Soares

Bonecos: Rafaella Mozz e Salv Borges

Iluminação: Vini Hideki

Voz em off: Regiane Alves

Produção executiva: Rodrigo Lopes

Coordenação geral: Bruno Ferian

Realização: Mercúrio Cultural

Duração: 50 minutos

Classificação: Livre

Serviço

“Uma Ilha Fora do Mapa”

Temporada: 14 de novembro a 13 de dezembro de 2026

Sessões: sábados e domingos, às 15h

Sessão de autógrafos com Regiane Alves: domingo, 15 de novembro, após a apresentação

Local: Teatro West Plaza – Sala Pompéia

Endereço: Av. Antártica, 408 – Água Branca, São Paulo (SP)

Ingressos: R$ 100 (inteira), R$ 50 (meia-entrada) e R$ 80 (promocional antecipado)

Classificação: Livre

Vendas: Ticketmaster
Compre o livro neste link.

Leia na íntegra...

.: Livro “Derrisão” traz onda congelada em Copacabana e coloca o riso na mira

Romance de Celso Tádhei acompanha um roteirista de humor em uma cidade onde gargalhar pode provocar uma catástrofe e questiona o preço de trocar liberdade por segurança

Uma onda gigantesca surge diante de Copacabana, congela a oitenta metros de altura e fica ali, suspensa sobre a cidade, como uma ameaça que ninguém sabe quando vai despencar. A descoberta de que o riso humano pode desestabilizar a estrutura de gelo muda tudo: aquilo que parecia uma reação espontânea passa a ser tratado como risco. Primeiro monitorado, depois restringido e, por fim, proibido. É desse cenário que parte “Derrisão”, novo romance de Celso Tádhei, publicado pela Editora Mondru. Finalista do Prêmio Jabuti 2025 com “A Casa da Ópera de Manoel Luiz”, o escritor e roteirista carioca mistura ficção especulativa, sátira e absurdo para imaginar uma sociedade disposta a controlar até a gargalhada em nome da própria sobrevivência. O lançamento em São Paulo acontece em 17 de novembro, das 19h00 às 21h00, na Livraria da Vila da Alameda Lorena, com a presença do autor.

No centro da história está Tito Bastos, roteirista e comediante que vê sua profissão ganhar uma função bastante peculiar. Em uma cidade cada vez mais regulada, ele passa a trabalhar com a produção do “tipo certo” de humor, aquele que ajuda a manter a estabilidade emocional da população. O problema começa quando Tito entra em contato com pessoas que questionam a versão oficial dos acontecimentos e percebe que algumas perguntas podem ser mais perigosas do que as respostas oferecidas pelo poder.

A premissa parece saída de uma piada particularmente delirante. O romance, porém, leva a brincadeira a sério. Ao colocar o riso no centro de uma política de controle, Tádhei cria uma situação extrema para falar de medo, comportamento coletivo, censura e da facilidade com que medidas excepcionais podem se tornar parte da rotina. “Os temas centrais de 'Derrisão' são medo, controle, liberdade, comportamento coletivo e a função do humor na vida humana”, resume o autor. “O romance usa a ficção científica e a sátira para discutir uma pergunta simples: o que acontece quando uma sociedade decide abrir mão da alegria em troca da promessa de segurança?”.

Copacabana também ganha papel importante na narrativa. Tádhei morou no bairro e aproveita o conhecimento da geografia carioca para construir uma cidade familiar e, ao mesmo tempo, estranha. A orla, os botecos, os quarteirões e a relação dos moradores com o espaço cotidiano passam a conviver com uma muralha de gelo capaz de engolir o Rio de Janeiro. “Primeiro de tudo, me veio a imagem dessa superonda congelada. Achei uma imagem forte: uma tensão constante, uma ameaça permanente que, a qualquer instante, poderia decidir engolir a cidade”, conta. “A partir daí, fui perguntando e criando. Copacabana se tornou um cenário irresistível”.

A partir da catástrofe improvável, “Derrisão” também olha para situações bastante reconhecíveis. Crises podem alterar rapidamente aquilo que uma sociedade considera aceitável, sobretudo quando a promessa de proteção vem acompanhada da exigência de abrir mão de determinados direitos. “Ao longo da história, situações de crise frequentemente levaram sociedades a aceitar restrições que, em circunstâncias normais, pareceriam impensáveis”, afirma Tádhei. “Em 'Derrisão', quis explorar essa dinâmica por meio do humor e da ficção científica”.

O próprio título dá a pista do tom. “Derrisão” significa riso de desprezo, escárnio, zombaria, deboche. A palavra combina com uma história em que fazer graça deixa de ser apenas uma característica humana e passa a ter consequências políticas. O humor, afinal, também serve para observar o poder de lado, apontar contradições e testar os limites do que pode ser dito. “O riso costuma ser tratado como algo leve ou secundário, mas ele está profundamente ligado à nossa capacidade de lidar com a dor, criar vínculos, questionar autoridades e enxergar contradições”, diz o escritor.

A trajetória de Tito acompanha essa mudança de escala. O que começa como uma história sobre uma onda congelada e um roteirista de humor aos poucos amplia as perguntas sobre liberdade, medo e convivência. O autor levou cerca de um ano e meio entre descobertas, desenvolvimento e escrita do romance. Tádhei cita Kurt Vonnegut, Machado de Assis, George Orwell, Ray Bradbury e Ursula K. Le Guin entre suas influências. A combinação ajuda a entender a aposta do livro: uma ficção especulativa com forte sotaque carioca, interessada em usar o absurdo para olhar para comportamentos bastante concretos.

“Meu editor comentou que, neste livro, estou sendo mais eu mesmo”, conta. “O protagonista é um carioca ligado ao humor, à observação do cotidiano e à criação de histórias. Isso me permitiu escrever com mais naturalidade”. A Mondru define “Derrisão” como um romance de ficção especulativa e sátira. A edição tem 232 páginas e acompanha a história de uma cidade em que o inverno chega à orla, o humor passa a ser monitorado e a população aprende a conviver com regras que, pouco antes, pareceriam absurdas. 

Sobre o autor
Celso Tádhei é escritor, roteirista e professor, formado em Artes Cênicas pela Unirio. Trabalhou por mais de 20 anos na Rede Globo, onde foi roteirista-chefe do humorístico “Zorra”, indicado ao Emmy Internacional. Também escreveu para produções como “Sítio do Pica-Pau Amarelo” e “Chico Anysio – Cartão de Visitas”. É autor de peças teatrais, entre elas “O Alienista”, vencedor do Prêmio Cenym de Melhor Texto Adaptado, e um dos fundadores da Escola de Roteiro e Núcleo Criativo Levante 42. Em 2025, seu primeiro romance, “A Casa da Ópera de Manoel Luiz”, foi finalista do Prêmio Jabuti.

Ficha técnica
“Derrisão”
Autor: Celso Tádhei
Editora: Mondru
Gênero: romance / ficção especulativa
Páginas: 232
Formato: 14 x 21 cm
Acabamento: Costurado
ISBN: 978-65-6042-201-8
Publicação: 2026

Serviço
Lançamento de “Derrisão”, de Celso Tádhei
Data: 17 de novembro de 2026, terça-feira, das 19h00 às 21h00
Livraria da Vila – Alameda Lorena, 1501 - São Paulo

Leia na íntegra...

.: “Vamos Dar Um Tempo” traz Christian Marazziti para debater no Brasil

Comédia de Christian Marazziti reúne Marco Giallini, Claudia Gerini, Fabio Volo e outros nomes conhecidos do cinema italiano para falar de relações em diferentes fases da vida

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.
Dar um tempo costuma soar como uma decisão provisória, dessas que deixam a porta entreaberta para uma possível reconciliação. Em “Vamos Dar um Tempo”, porém, Christian Marazziti aproveita a expressão para colocar três casais de idades diferentes diante de uma mesma pergunta: o que acontece quando uma relação deixa de funcionar para uma das pessoas, enquanto a outra ainda acredita que tudo pode ser consertado? O filme integra a seleção contemporânea do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e está disponível gratuitamente no streaming Belas Artes À La Carte e em sessões espalhadas pelo Brasil

A comédia italiana acompanha Fabrizio e Valeria, Valter e Fiorella, além dos jovens Erica e Gabriel. Aos 40 anos, Fabrizio encara a pausa como um desastre emocional, enquanto Valeria enxerga nela a oportunidade de colocar a própria vida em ordem. Para Valter, homem que se aproxima dos sessenta e está casado há três décadas, a decisão de Fiorella parece uma afronta difícil de aceitar. Ela, por sua vez, considera a separação temporária uma necessidade depois de anos de casamento.

Entre os mais jovens, Erica encara a situação com a impaciência de quem vê o relacionamento como um contratempo que deveria passar logo. Gabriel, namorado que ela conheceu pela internet, encontra na distância uma maneira de esconder as próprias dúvidas e um processo de descoberta pessoal que ainda não sabe muito bem como enfrentar. A história, assim, percorre diferentes momentos da vida afetiva sem tratar o amor como uma experiência com prazo de validade igual para todo mundo.

Marco Giallini interpreta Valter, enquanto Claudia Gerini vive Fiorella. Fabio Volo e Ilenia Pastorelli formam o casal Fabrizio e Valeria, e Aurora Giovinazzo interpreta Erica. Paolo Calabresi aparece como Gianni, personagem ligado ao núcleo de Valter, em um elenco que ainda reúne Ricky Memphis, Lucia Ocone e Alessandro Haber, entre outros nomes.

Marazziti também assina o roteiro, em parceria com Mauro Graiani e Gianni Corsi. A fotografia é de Fabrizio Lucci, a montagem fica a cargo de Luca Montanari, e Alessandro Bencini responde pela trilha sonora. A produção é uma coprodução entre Itália e Polônia, realizada por Camaleo Film, Eagle Pictures e Agresywna Banda. A graça da premissa está no fato de que a mesma expressão - “dar um tempo” - ganha significados completamente diferentes conforme a idade, a experiência e o grau de desgaste de cada relacionamento. Para alguns, a pausa representa uma chance de respirar. Para outros, é praticamente uma sentença de separação. Existe ainda quem use a distância para esconder problemas pessoais que pouco têm a ver com o relacionamento.

A imprensa italiana apontou esse aspecto geracional da história. La Repubblica destacou que a crise sentimental se transforma em um retrato de diferentes fases da vida, cruzando três idades e três maneiras de lidar com amor, tempo e expectativas. Em entrevista ao jornal, Marazziti, Giallini e Gerini também falaram sobre separações, relações que precisam ser cuidadas e uma sociedade cada vez mais acostumada a descartar aquilo que deixou de funcionar.

O filme também aposta em uma estrutura coral, reunindo personagens e situações que acabam se aproximando ao longo da narrativa. A proposta permite que a comédia circule entre os conflitos de um casamento de trinta anos, as inseguranças de um casal na faixa dos quarenta e as descobertas de dois jovens que ainda estão tentando entender o que significa estar em uma relação.

“Vamos Dar um Tempo” chegou aos cinemas italianos em 15 de janeiro de 2026, distribuído pela Eagle Pictures. As informações de Filmitalia registram a obra como uma produção de 2025 lançada comercialmente em 2026, enquanto as fichas brasileiras a apresentam como filme de 2026.

No Brasil, o longa-metragem integra a programação do 21º Festival de Cinema Italiano, realizado de 5 de novembro a 1º de dezembro. A seleção contemporânea reúne títulos inéditos e pode ser acompanhada presencialmente em diferentes cidades ou pela internet, por meio do Belas Artes à La Carte. “Vamos Dar Um Tempo” também ganhou sessões presenciais pelo festival, incluindo exibições no CCBB São Paulo.

A passagem pelo festival ainda reserva uma ocasião especial: em 1º de dezembro, Christian Marazziti apresenta o filme em uma sessão ao ar livre no Instituto Italiano de Cultura de São Paulo e participa de uma conversa com o público após a exibição. A sessão tem entrada gratuita, mediante inscrição. Ele parte de uma situação bastante conhecida para montar uma comédia sobre aquilo que acontece quando duas pessoas percebem que continuar juntas talvez seja mais difícil do que admitir que alguma coisa mudou. E, como qualquer pessoa que já tenha ouvido um “precisamos conversar” sabe, algumas pausas podem durar bem menos do que parecem, enquanto outras começam antes mesmo de alguém ter coragem de pronunciá-las.

Serviço

“Vamos Dar Um Tempo” integra o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica

“Vamos Dar um Tempo” | “Prendiamoci Una Pausa” (título original)
Gênero: comédia. Duração: 102 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 2026 nas fichas brasileiras; Filmitalia registra produção em 2025 e lançamento em 2026. Data de lançamento: 15 de janeiro de 2026, na Itália. Idioma: Italiano. Direção: Christian Marazziti. Roteiro: Christian Marazziti, Mauro Graiani e Gianni Corsi. Elenco: Marco Giallini, Claudia Gerini, Paolo Calabresi, Fabio Volo, Ilenia Pastorelli, Aurora Giovinazzo, Ricky Memphis, Lucia Ocone, Alessandro Haber, Daniela Poggi, Simona Marchini, Jenny De Nucci, Rebecca Coco Edogamhe, Gianluca Brundo, entre outros. Distribuição no Brasil: 21º Festival de Cinema Italiano / Belas Artes à La Carte. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade

A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

Leia na íntegra...

.: Filme “Vamos Trabalhar como Gente Grande” traz fracassos, álcool e decisões

Comédia italiana reúne quatro homens às voltas com uma noite que começa como comemoração e termina em uma sucessão de situações absurdas

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Antonio Albanese volta à comédia em “Vamos Trabalhar como Gente Grande”, produção italiana que integra a seleção contemporânea do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e está disponível gratuitamente no streaming Belas Artes À La Carte e em sessões espalhadas pelo Brasil. O longa-metragem, que chegou ao circuito italiano em fevereiro de 2026, acompanha uma turma de homens pouco preparados para lidar com as consequências das próprias escolhas.

Beppe, Umberto e Gigi se reúnem à beira do Lago d'Orta para comemorar a liberdade de Toni, filho de Umberto, um jovem que acumula passagens pela prisão por pequenos delitos. A reunião, regada a álcool, rapidamente perde qualquer aparência de comemoração comportada. Uma sequência de decisões equivocadas, um acidente e a necessidade de esconder o que aconteceu colocam os personagens diante de uma noite longa, tortuosa e cada vez mais difícil de controlar.

Albanese dirige, atua e assina o roteiro ao lado de Piero Guerrera. No elenco, ele divide a cena com Giuseppe Battiston, Nicola Rignanese e Niccolò Ferrero, além de participações de Francesco Brandi, Marianna Folli, Claudia Stecher e Bebo Storti. A fotografia é de Italo Petriccione, a montagem de Davide Miele e as músicas originais são de Giovanni Sollima.

O filme se passa praticamente inteiro ao longo de uma única noite e aposta na convivência forçada entre personagens que carregam histórias de fracasso, relações familiares complicadas e sonhos que ficaram pelo caminho. A imprensa italiana identificou na produção uma combinação de comédia, grotesco e melancolia, com a província italiana servindo de cenário para uma história em que os problemas pessoais dos protagonistas acabam se misturando de maneira cada vez mais caótica.

Umberto, interpretado por Albanese, é um músico que insiste em uma carreira que nunca se consolidou. Beppe, vivido por Battiston, trabalha como encanador e ainda mora com a mãe. Gigi, personagem de Rignanese, enfrenta o luto pela morte de uma tia e mergulha em álcool e medicamentos. Toni, por sua vez, representa uma juventude que parece desperdiçar oportunidades antes mesmo de descobrir o que fazer com elas.

A história ganha força quando a celebração sai do eixo. O que parecia uma noite entre velhos conhecidos vira uma sucessão de improvisos, mentiras, encontros inconvenientes e tentativas desesperadas de consertar uma situação que se torna progressivamente pior. Albanese conduz a trama pela comédia de erros, mas deixa espaço para uma observação amarga sobre homens que chegaram à idade adulta sem descobrir muito bem como lidar com a própria vida.

A produção também marca o retorno de Albanese à comédia depois de “Cento Domeniche”, drama que ele dirigiu e protagonizou em 2023. Em “Vamos Trabalhar Como Gente Grande”, porém, o diretor retoma o humor ligado a personagens desajeitados, provincianos e permanentemente às voltas com alguma forma de fracasso. A recepção crítica italiana foi dividida: enquanto alguns veículos destacaram o humor absurdo e a dimensão humana dos personagens, outros consideraram que a construção das situações e das figuras centrais nem sempre encontra o equilíbrio desejado.

O longa foi escolhido como filme de abertura da 20ª edição da Festa del Cinema di Roma, realizada em 2025. As filmagens aconteceram principalmente no Piemonte, especialmente nas proximidades do Lago d'Orta, em localidades como Orta San Giulio, Pella, San Maurizio d'Opaglio, Miasino e Ameno. Outro reconhecimento veio em 2026: Giuseppe Battiston recebeu o Nastro d'Argento de melhor ator de comédia por sua atuação como Beppe.

No Brasil, “Vamos Trabalhar Como Gente Grande” integra a programação do 21º Festival de Cinema Italiano e pode ser assistido on-line pelo Belas Artes à La Carte até 1º de dezembro de 2026. A edição deste ano reúne produções italianas recentes e clássicos, com acesso em streaming também para quem não possui assinatura da plataforma durante o período do festival.

Serviço

“Vamos Trabalhar como Gente Grande” integra o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica
“Vamos Trabalhar como Gente Grande” | “Lavoreremo da Grandi” (título original)
Gênero: Comédia. Duração: 92 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2026. Data de lançamento no Brasil: 5 de novembro de 2026, dentro do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil. Idioma: italiano. Direção: Antonio Albanese. Roteiro: Antonio Albanese e Piero Guerrera. Elenco: Antonio Albanese, Giuseppe Battiston, Nicola Rignanese, Niccolò Ferrero, Francesco Brandi, Marianna Folli, Claudia Stecher, Alessandro Hegger e Bebo Storti. Distribuição no Brasil: Belas Artes à La Carte / 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil. Cenas pós-créditos: não identificadas em fontes confiáveis consultadas. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade

A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

Leia na íntegra...

.: “Quero Ser Grande” ganha musical quase quatro décadas depois do filme

Clássico estrelado por Tom Hanks chega aos palcos do Rio em 2027 com direção de Tadeu Aguiar e recupera a história do menino que descobriu que crescer pode ser bem mais complicado do que parecia

Antes de aprender a lidar com boletos, reuniões, responsabilidades e outras pequenas tragédias da vida adulta, Josh Baskin só queria uma coisa: crescer. Em “Quero Ser Grande”, clássico de 1988 estrelado por Tom Hanks, um pedido feito diante de uma misteriosa máquina de desejos transforma a infância do personagem em uma experiência bastante peculiar. Agora, quase 40 anos depois, a história ganha uma nova vida no Brasil em “Quero Ser Grande - O Musical”. A Estamos Aqui Produções Artísticas anunciou a montagem, com estreia prevista para o primeiro semestre de 2027 no Teatro Multiplan, no Rio de Janeiro. Tadeu Aguiar assina a direção geral e as versões, Thalyson Rodrigues responde pela direção musical e Sueli Guerra pela direção de movimento e coreografias.

No filme dirigido por Penny Marshall, Josh Baskin é um garoto cansado das limitações impostas pela infância. Depois de fazer um pedido em uma máquina de parque de diversões, ele acorda no corpo de um homem de aproximadamente 30 anos. A aparência muda, mas a cabeça continua sendo a de uma criança. A situação coloca Josh diante de um mundo que ele ainda não entende. Trabalho, dinheiro, relacionamentos e decisões passam a fazer parte da rotina de alguém que, apesar do corpo adulto, continua descobrindo como funciona a vida. O personagem acaba conseguindo emprego em uma empresa de brinquedos, onde sua maneira infantil de observar as coisas se revela uma qualidade inesperada.

O filme se tornou um dos grandes sucessos da década de 1980 e ajudou a consolidar Tom Hanks como um dos principais nomes da comédia cinematográfica. A atuação lhe rendeu sua primeira indicação ao Oscar, além do Globo de Ouro de Melhor Ator em Comédia ou Musical. Entre as cenas mais lembradas está a sequência em que Hanks e Robert Loggia dançam sobre o enorme piano da loja de brinquedos FAO Schwarz, em Nova York.

A história de Josh já havia deixado o cinema para chegar aos palcos. “Big - The Musical” estreou na Broadway em 1996, no Shubert Theatre, com libreto de John Weidman, músicas de David Shire e letras de Richard Maltby Jr. A montagem recebeu cinco indicações ao Tony Awards, incluindo Melhor Libreto, Melhor Trilha Sonora Original e Melhor Coreografia. Anos depois, a adaptação ganhou apresentações no Reino Unido e chegou ao West End londrino em 2019.

A versão brasileira parte justamente dessa trajetória musical. Tadeu Aguiar e sua equipe assumem a tarefa de levar para o palco uma história que depende bastante da relação entre infância e vida adulta, fantasia e responsabilidade. A montagem ainda não teve elenco divulgado, e informações sobre audições, temporada e venda de ingressos serão anunciadas posteriormente.

À frente do projeto está a Estamos Aqui Produções Artísticas, de Tadeu Aguiar e Eduardo Bakr, que já levou aos palcos brasileiros musicais como “A Cor Púrpura”, “Querido Evan Hansen”, “Quase Normal”, “Ou Tudo ou Nada” e “Diana – A Princesa do Povo”. A dupla também esteve envolvida em trabalhos como “Bibi, Uma Vida em Musical” e “Quatro Faces do Amor”. A produtora prepara ainda “Olga”, adaptação musical da biografia de Olga Benário Prestes escrita por Fernando Morais, com estreia prevista para o segundo semestre de 2027. O projeto terá direção de Tadeu Aguiar, letras de Eduardo Bakr, músicas e arranjos de Laura Visconti e direção musical de Thalyson Rodrigues.

Em “Quero Ser Grande - O Musical”, a pergunta continua sendo bastante simples: o que aconteceria se fosse possível pular imediatamente para a vida adulta? Josh descobre que o desejo pode ser realizado, mas também aprende que crescer talvez seja menos uma questão de idade e mais de descobrir, aos poucos, o que fazer com as escolhas que aparecem pelo caminho.

Ficha técnica

Título: “Quero Ser Grande - O Musical”

Baseado em: “Quero Ser Grande” (“Big”)

Direção geral e versões: Tadeu Aguiar

Direção musical: Thalyson Rodrigues

Direção de movimento e coreografias: Sueli Guerra

Produção: Estamos Aqui Produções Artísticas

Estreia prevista: primeiro semestre de 2027

Local: Teatro Multiplan – Rio de Janeiro

Elenco: a definir

Audições: informações serão divulgadas pela produção

Ingressos: informações em breve

Leia na íntegra...

.: “Na Festa da Revolução”: D’Annunzio no centro de uma conspiração em 1919

Filme de Arnaldo Catinari combina espionagem, romance e disputa política ao reconstruir a aventura de Gabriele D’Annunzio em Fiume, às vésperas da ascensão do fascismo

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Uma festa de instalação, um atentado, uma espiã russa, um médico desertor, um chefe dos serviços secretos e Gabriele D’Annunzio no centro de tudo. O cenário é Fiume, em 1919, quando a cidade se torna palco de uma experiência política tão extravagante quanto controversa. É nesse terreno fértil para conspirações que se movimenta “Na Festa da Revolução: O Poeta e a Espiã”, drama histórico dirigido por Arnaldo Catinari, disponível gratuitamente no  streaming Belas Artes À La Carte durante o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil.

Na trama, Beatrice, interpretada por Valentina Romani, chega a Fiume a serviço da Rússia justamente no dia em que D’Annunzio dá início à sua chamada revolução. Durante a festa que marca a instalação do poeta e herói de guerra no comando da cidade, um atentado contra sua vida muda o rumo dos acontecimentos. Beatrice passa então a investigar quem está por trás da tentativa de assassinato e acaba envolvida com Pietro, chefe dos serviços secretos italianos, vivido por Riccardo Scamarcio, e Giulio, personagem de Nicolas Maupas, médico, desertor da Primeira Guerra Mundial e próximo aos círculos anarquistas.

O trio movimenta uma narrativa em que as convicções políticas disputam espaço com desejos pessoais. Enquanto Beatrice tenta cumprir sua missão, Pietro se vê dividido entre suas funções e os próprios ideais. Giulio carrega as marcas da guerra e uma posição política que o coloca em rota de colisão com as estruturas de poder. E D’Annunzio, interpretado por Maurizio Lombardi, paira sobre esse tabuleiro como uma figura histórica impossível de ignorar.

O filme é livremente inspirado no livro “Alla Festa della Rivoluzione”, da historiadora Claudia Salaris, publicado pela editora italiana Il Mulino. Catinari assina o roteiro ao lado de Silvio Muccino, transformando o episódio histórico em uma trama que combina acontecimentos reais e personagens ficcionais. A chamada “aventura de Fiume”, liderada por D’Annunzio a partir de setembro de 1919, tornou-se uma experiência política peculiar no período que antecedeu a consolidação do fascismo na Itália. O poeta ocupou a cidade com um grupo de legionários e estabeleceu uma estrutura de governo que misturava nacionalismo, estética, provocação política e ideias de caráter revolucionário. É essa combinação pouco comportada que interessa ao filme.

A produção também chama atenção pelo encontro de Valentina Romani e Nicolas Maupas, conhecidos do público italiano por “Mare Fuori”. Os dois voltam a contracenar em papéis bastante diferentes daqueles associados à série juvenil. A presença de Riccardo Scamarcio completa um elenco que ainda reúne Darko Perić, Daniele Paoloni, Luca Tanganelli, Susanna Acchiardi, Tim Daish, Giuseppe Gaiani e Julien Bouanich.

Catinari, conhecido também por trabalhos como diretor de fotografia, assume aqui a direção do longa e ainda responde pela fotografia. As filmagens aconteceram no Friuli-Venezia Giulia, durante sete semanas, entre outubro e dezembro de 2024. Udine, Trieste, Gorizia e Palmanova serviram de locação. Em Udine, espaços como a Piazza Libertà, o Palazzo D’Aronco, a Loggia del Lionello e o Palazzo del Comune foram adaptados para representar a Fiume do início do século XX. Mais de 700 figurantes participaram das filmagens.

A escolha das locações tem um detalhe curioso: como Fiume passou a fazer parte da atual Croácia e hoje se chama Rijeka, a produção italiana encontrou no Friuli-Venezia Giulia uma maneira de reconstruir visualmente a cidade histórica sem abandonar a própria Itália. O resultado é uma recriação de época que ocupa um papel importante na narrativa e ajuda a sustentar o clima de instabilidade política.

“Na Festa da Revolução” estreou na 20ª Festa do Cinema de Roma, em 2025, na seção Grand Public, antes de chegar ao circuito comercial italiano em abril de 2026. No Brasil, o filme integra a programação contemporânea do 21º Festival de Cinema Italiano e pode ser visto gratuitamente pelo Belas Artes À La Carte entre 5 de novembro e 1º de dezembro de 2026, inclusive por quem não é assinante.

O longa encontra um momento histórico particularmente fértil para o cinema porque Fiume reúne personagens, ideologias e desejos que parecem ter sido escritos para uma trama de espionagem. Só que a história aconteceu. E talvez seja justamente aí que esteja a graça — e o perigo — de revisitar esse episódio: D’Annunzio, antes de Mussolini consolidar o fascismo, já experimentava uma forma de política espetacular, performática e profundamente marcada pela figura do líder.

Entre espiões, anarquistas, militares, poetas e apaixonados, Catinari constrói uma aventura histórica que prefere a tensão dos personagens ao tradicional desfile de datas e acontecimentos. A revolução, aqui, começa numa festa. Como tantas outras festas políticas, termina com gente demais querendo descobrir quem está de cada lado.

Serviço
“Na Festa da Revolução” integra o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica
“Na Festa da Revolução: O Poeta e a Espiã” | “Alla festa della Rivoluzione” (título original) | “The Poet and the Spy” (título internacional)
Gênero: drama histórico. Duração: 98 minutos. Classificação indicativa: não localizada em fonte oficial brasileira consultada. Ano de produção: 2025. Data de lançamento: 16 de abril de 2026, na Itália; estreia no Brasil dentro do 21º Festival de Cinema Italiano. Idioma: italiano. Direção: Arnaldo Catinari. Roteiro: Arnaldo Catinari e Silvio Muccino, livremente inspirado no livro “Alla festa della rivoluzione”, de Claudia Salaris. Elenco: Valentina Romani, Nicolas Maupas, Maurizio Lombardi, Riccardo Scamarcio, Darko Perić, Daniele Paoloni, Luca Tanganelli, Susanna Acchiardi, Tim Daish, Giuseppe Gaiani e Julien Bouanich. Distribuição no Brasil: 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil / Belas Artes À La Carte. Cenas pós-créditos: não identificadas nas fontes consultadas. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade

A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

Leia na íntegra...

.: Peça “Escola Modelo” leva debate para o teatro no Dia da Consciência Negra

Espetáculo de Fernando Vilela e Bruno Lourenço coloca em cena experiências de Letícia Calvosa e Pedro Granato para discutir cotas, desigualdade racial e formação escolar. Foto: José de Holanda

Uma mulher negra que enfrentou os dilemas das cotas para chegar à universidade. Um homem branco que participou da implementação de políticas de cotas e de ações voltadas à educação pública. Em “Escola Modelo”, essas duas experiências ocupam o mesmo espaço para discutir como o racismo interfere na formação escolar e nas oportunidades que chegam ou não a diferentes grupos. O espetáculo, dirigido por Fernando Vilela e com dramaturgia de Bruno Lourenço, está em cartaz no iBT – Instituto Brasileiro de Teatro, em São Paulo, e ganha uma sessão extra no dia 20 de novembro, feriado da Consciência Negra, às 19h00. A temporada segue até 29 de novembro, com entrada gratuita. 

No palco, Letícia Calvosa e Pedro Granato partem de suas próprias trajetórias para aproximar experiências pessoais de questões que envolvem políticas públicas, instituições de ensino e desigualdade racial. A dramaturgia estabelece diálogo com o pensamento de Sueli Carneiro, Cida Bento e Lívia Sant’anna Vaz.

Para Letícia, a escola foi um espaço decisivo na formação de sua identidade e na maneira como passou a compreender o racismo. A atriz relata ter encontrado professores sem letramento racial e materiais didáticos nos quais não se reconhecia. A experiência pessoal ganha dimensão coletiva quando a montagem questiona quais histórias são ensinadas, quais referências chegam aos estudantes e quem tem condições de avançar dentro do sistema educacional.

Pedro Granato chega à discussão por outro caminho. Durante sua atuação no poder público, participou da implementação de cotas raciais em programas educacionais e de iniciativas que levaram escolas para regiões periféricas. A experiência também o colocou diante das contradições de instituições que passaram a incorporar o discurso antirracista depois de décadas reproduzindo desigualdades.

“Escola Modelo” não se limita ao debate sobre a existência das cotas. A peça olha para a escola como espaço onde relações sociais, privilégios e preconceitos são aprendidos e reproduzidos, mas onde também podem surgir outras possibilidades de convivência. A encenação aproxima elementos de uma sala de aula da contação de histórias e de procedimentos ligados ao teatro épico de Bertolt Brecht. A intenção é manter o público dentro da discussão, sem transformar a plateia em espectadora passiva de uma tese pronta. A pergunta que permanece é outra: que modelo de educação poderia ser construído para atender de fato a todos?

A cenografia dialoga ainda com “Dogville”, filme de Lars von Trier. Módulos rotativos remetem a lousas escolares e mudam de função durante a apresentação, enquanto cadeiras infantis coloridas são distribuídas entre os espectadores. O espaço da escola, assim, deixa de ser apenas cenário e passa a participar da própria discussão proposta pelo espetáculo. Para Fernando Vilela, colocar o público dentro desse debate significa pensar também no futuro da educação brasileira. A montagem pergunta que escola pode surgir quando as desigualdades que estruturaram a formação do país deixam de ser tratadas como assunto periférico.

Com 75 minutos de duração e classificação indicativa de 14 anos, “Escola Modelo” permanece em cartaz no iBT até 29 de novembro. A sessão de 20 de novembro amplia o encontro entre teatro e debate público justamente na data dedicada à reflexão sobre a população negra e sua trajetória no Brasil. 

Ficha técnica

"Escola Modelo"

Elenco: Pedro Granato e Letícia Calvosa

Direção: Fernando Vilela

Dramaturgia: Bruno Lourenço

Desenho de luz: Ariel Rodrigues

Direção de arte: Fernando Vilela

Figurino: Thais Sakuma

Preparação vocal: Malú Lomando

Técnico de palco e técnico de som: Diego Leo

Técnico de luz: Ariel Rodrigues

Produção executiva: Julia Terron

Assistência de produção: Diego Leo

Fotos de divulgação: José de Holanda

Assessoria de imprensa: Adriana Balsanelli e Renato Fernandes

Produção e realização: Jessica Rodrigues Produções e Pequeno Ato

Direção de produção: Jessica Rodrigues e Carolina Henriques

Serviço

“Escola Modelo”

Temporada: até 29 de novembro de 2026

Sessão extra: 20 de novembro, sexta-feira, às 19h00

Sábados: às 20h

Domingos: às 19h

Duração: 75 minutos

Classificação: 14 anos

Ingressos: gratuitos, com retirada na bilheteria uma hora antes de cada sessão

iBT – Instituto Brasileiro de Teatro

Pavilhão do térreo

Avenida Brigadeiro Luís Antônio, 277 – Bela Vista, São Paulo

Leia na íntegra...

.: Manual Crônico, de Thiago Sobral: O cujo (E o dito-cujo)

Thiago Sobral é escritor e autor do livro "O Pai, a Faca e o Beijo", publicado pela Editora Patuá. Também publica semanalmente a coluna "Ao rés-do-chão" no Substack.

Eu não queria dizer, porque, olha… mas já dizendo: me intriga demais o dito-cujo que se infiltra pelas plagas e discursos que por aí se enveredam. Na verdade, o problema "cujo" se vê por aqui nem sempre é um problema. Embora, de uns tempos pra cá, ele esteja bastante tímido. Vez ou outra, vem à baila em lábios pomposos ou pedantes que pensam fazer bonito na pista do salão. O cujo "de cujo" falo, cá está: o pronome cujo, relativo e possessivo em sua espécie, mas não só ele.

Falar sobre questões, assuntos ou temas cujo teor nem sempre se venha a ter domínio requer uma certa dose de cinismo que, cá entre nós, temos bastante. Por isso, eis-nos aqui a tagarelar sobre tão nobre pronome. Como tenho o atento leitor em alta conta — certamente ele já notou meu pleníssimo domínio sobre o cujo —, hei de honrá-lo com uma bela ode ao dito-cujo.

Não é fácil empolar um texto cujas palavras evoquem a mais nobre erudição e, ainda assim, conseguir manter-se entre o amor e o humor; um texto de cujas palavras se drene poesia, sobre cujo conteúdo se construam sentidos. No entanto, o dito-cujo insiste, persiste e acredita que existe, no teor de seus atos de fala, a mais nobre mensagem com cujo destinatário se pretende caminhar.

Do mesmo modo, não é fácil encarar diuturnamente o dito-cujo que se esconde nos dutos da sociedade cujo conteúdo enche seus bolsos e esvazia os dos demais. Uma cidade, ou um Estado, ou um país cujas riquezas abundantes acorrem em calda grossa aos redutos de apenas alguns ditos-cujos se atrasa, e muito, e, dificilmente, um dia, conhecerá e fará bom uso do cujo.

Não que o cujo seja lá grande coisa (muito menos o dito-cujo), ninguém carece dele. Pode-se ser boa gente sem ele; pode-se ser intelectual; pode-se ser sábio; e, pode-se ser plenamente proficiente no idioma sem o conhecimento "cujo qual" aqui se fala. E mais — o mais importante —, é-se muito mais feliz sem ele.

Agora, com o dito-cujo nunca se pode ser realmente feliz, no sentido pleno da coisa. Certamente, o amigo conhece algum dito-cujo. Ele deve estar por aí na sua rua, no seu bairro, na sua empresa. O dito-cujo "de cujo" falamos é como uma praga: se espalha rápido e domina tudo; tem fala mansa e quer mostrar-se erudito, retórico, e, por isso, gosta do cujo. Já eu, que não sou lá muita coisa, com o cujo não me preocupo. Ora acerto e gosto do seu uso; ora escrevo-o como dá, só pela graça e pela pompa, ou por sorte mesmo. Estas linhas são testemunhas!

Mas o dito-cujo, não. Esse não me desce. E quem é o dito-cujo que tanto me aflige? Ah, meu capitão, aí é com você. Fique esperto, abra os olhos! Agora, se não quiser, tudo bem… Escolha um qualquer, pode ser um pronome, um nome, um menino ou um homem do poder. Porque o que mais importa é estar atento e forte, pois o dito-cujo cujo peso sempre se põe sobre nós nunca está longe e quase sempre parece saber - ou finge saber - usar o cujo.

Leia na íntegra...

.: “Outra Mamãe” coloca menina de oito anos diante do pior pesadelo familiar

Novo romance de Josh Malerman, autor de “Caixa de Pássaros”, acompanha uma criança assombrada por uma entidade que ameaça ocupar o lugar da mãe e chegará ao cinema com Jessica Chastain

Bela tem oito anos, uma família em crise e uma visitante que aparece todos os dias com a mesma pergunta: “Posso entrar no seu coração?”. O problema é que a criatura não parece interessada apenas em assustá-la. Ela quer uma resposta e está ficando cada vez mais difícil mantê-la do lado de fora. Essa é a premissa de “Outra Mamãe”, novo romance de Josh Malerman autor de “Caixa de Pássaros”, publicado no Brasil pelo selo Planeta Minotauro, da Editora Planeta. A história acompanha Bela, a mãe, o pai e a Vovó Ruth enquanto uma presença sobrenatural passa a interferir na rotina da família e a explorar as fragilidades que já existiam dentro daquela casa.

A pergunta feita pela entidade funciona como uma espécie de ameaça recorrente. No começo, Bela ainda pode tentar ignorá-la. Conforme os acontecimentos se tornam mais perturbadores, porém, fica claro que a Outra Mamãe está ficando mais forte, ousada e difícil de conter. E, quando o casamento dos pais começa a ruir, a menina perde justamente a estrutura que deveria protegê-la. O terror de Malerman nasce desse encontro entre o sobrenatural e uma situação familiar reconhecível. Bela não precisa lidar apenas com uma criatura que invade seu cotidiano. Ela também precisa entender as mudanças que acontecem entre os adultos à sua volta, enquanto tenta descobrir em quem pode confiar.

A perspectiva infantil contribui para o desconforto. Bela compreende parte do que acontece, mas não dispõe das ferramentas de um adulto para organizar o medo ou avaliar as consequências de cada ameaça. O leitor acompanha essa percepção limitada enquanto a presença da Outra Mamãe ganha espaço. O romance chega ao Brasil depois de consolidar a reputação de Malerman como um dos nomes contemporâneos do horror. Seu primeiro livro, “Caixa de Pássaros”, tornou-se fenômeno editorial e ganhou uma adaptação para a Netflix estrelada por Sandra Bullock. O escritor também publicou “Uma Casa no Fundo de um Lago”, “Piano Vermelho”, “Inspeção” e “Malorie”, sequência de seu romance de estreia.

A nova história também já atravessou as páginas para chegar ao cinema. A adaptação de “Outra Mamãe” foi produzida por James Wan, da Atomic Monster, em parceria com a Blumhouse, com distribuição da Universal Pictures. Rob Savage dirige o filme, que tem Jessica Chastain em papel duplo, como a mãe de Bela e a entidade que passa a ocupar o lugar de sua imagem. A escolha de Chastain acrescenta uma camada curiosa à adaptação: a mesma atriz interpreta a mulher que deveria representar segurança para a menina e a presença sobrenatural que ameaça tomar seu lugar. No cinema, a história mantém o conflito entre a proteção materna e uma figura que se apropria justamente dessa imagem.

Para Malerman, o horror costuma funcionar melhor quando nasce de situações próximas do cotidiano. Em “Outra mamãe”, a casa familiar deixa de ser apenas o lugar onde a protagonista vive e passa a concentrar suas maiores inseguranças. A ameaça sobrenatural encontra terreno fértil quando os vínculos entre os personagens começam a se fragilizar. O livro recebeu elogios de Neil McRobert, da Esquire, que o classificou como “o romance de horror mais eficaz que já li”, e de Grady Hendrix, autor de best-sellers do New York Times, que definiu a história como “o monstro que vive dentro do seu armário”.

Com “Outra Mamãe”, Josh Malerman retorna a uma das especialidades dele: pegar uma situação familiar aparentemente comum e introduzir nela uma ameaça que não pode ser facilmente explicada ou afastada. Para Bela, o problema é ainda mais cruel: a criatura que a persegue sabe exatamente onde procurar quando quer assustá-la.

Sobre o autor

Josh Malerman é autor best-seller do jornal The New York Times, além de vocalista e compositor da banda de rock The High Strung. O romance de estreia dele, “Caixa de Pássaros”, inspirou o filme homônimo da Netflix. Entre seus outros livros estão “Uma Casa no Fundo de um Lago”, “Piano Vermelho”, “Inspeção” e “Malorie”, sequência de "Caixa de Pássaros". Malerman vive em Michigan com a artista musical Allison Laakko.

Ficha técnica

“Outra Mamãe”

Autor: Josh Malerman

Editora: Editora Planeta

Selo: Planeta Minotauro

Gênero: Horror

Edição: 1ª edição, 2026

Páginas: 384

Formato: 16 x 23 cm

Acabamento: Brochura com orelhas

ISBN: 978-85-422-4407-6

Publicação: 12 de outubro de 2026
Compre o livro neste link.

Leia na íntegra...